Salas Escuras

Mudei de Casa

2009-04-10T18:46:00.002+01:00

Em tempos de incerteza económica tornei-me nacionalista e aderi ao proteccionismo economicista: http://salasescuras.blogs.sapo.pt/

"A Troca" (Clint Eastwood, 2008)

2009-01-13T15:48:00.000Z

Christine Collins vive uma vida aprazível. Leva o filho à escola, tem um emprego seguro, com perspectivas de uma promoção. Um dia o seu filho desaparece e, como qualquer boa mãe, Christine entra em pânico e dirige-se a quem normalmente protege os fracos e indefesos: a Polícia. A partir daqui tudo se resolveria de uma maneira ou de outra, com a policia a fazer os possíveis e impossíveis para devolver o rapaz desaparecido à progenitora desesperada, mas estamos em Los Angeles, no final dos anos '20 do século passado e a polícia é tudo menos uma entidade recomendável a quem se deve recorrer em situações extremas. Passados meses é dito a Christine que o seu filho, Walter foi encontrado e ser-lhe-à devolvido o quanto antes. No entanto, assim que a criança é devolvida à mãe, esta não o reconhece e afirma tratar-se de outro rapaz, com as modificações físicas a confirmar o argumento. A partir daqui Christine trava uma batalha desigual com as forças policiais da Cidade dos Anjos até que, finalmente, vê a razão do seu lado.

A sinopse é mais longa que o normal, mas a culpa recai inteiramente sobre o filme. De facto é necessário explicar muito bem o que se passa, até numa introdução sumária a um texto crítico, para que o leitor perceba o que está em causa nas próximas linhas. Tudo o que se vê em “A Troca” é verdade. Vou repetir: é tudo verdade. A incompetência da policia. A corrupção, a arrogância dessa incompetência corrupta e mesmo os homicídios praticados por Gordon Northcott. É esta faceta do real que torna o filme ainda mais duro de ver, como se fossemos continuamente golpeados no estomago de cada vez que mais um pormenor da estória é revelado.
Regresso de Clint Eastwood à realização depois do díptico sobre a batalha de Iwo Jima, “A Troca” é o exemplo de como o Cinema Clássico Americano precisa apenas de uma boa estória para se fazer valer sobre todos os truques técnicos e pirotécnicos em que algum cinema contemporâneo se esconde para iludir o espectador. Primazia da narrativa sobre a técnica, sendo esta apenas um leve fantasma, escondido habilmente pelo realizador que, deste modo, concede espaço aos actores para fazerem o seu melhor. Angelina Jolie aproveita com unhas e dentes esta oportunidade para provar que não é apenas um corpo pronto para o próximo filme de acção ou blockbuster de Verão. Com um realizador como Eastwood, um hábil director de actores, Jolie consegue uma interpretação notável, fruto das correcções provavelmente impostas pelo realizador à postura e maneirismos que tinham sido o seu ponto fraco noutro filme de época, “O Bom Pastor”. Angelina Jolie parece de facto uma mulher daquela época, conseguindo despir o fardo da sua personna cinematográfica, fruto de uma excessiva exposição mediática. É sobre ela que cai o peso cinematográfico desta obra, tendo a sua performance, sendo menos positiva, o poder de fazer tombar o que de resto tem de bom o filme. Nada que atemorizasse “Dirty Harry”, Clint Eastwood já provou em outras ocasiões como é capaz de transformar bons actores em extraordinárias performances vencedoras de prémios (Sean Penn em Mystic River, Hillary Swank em Million Dollar Baby, apenas para citar os mais recentes). Este caso não é excepção e, apesar da estranha ausência da lista de nomeados aos Globos de Ouro, o homenzinho dourado pode estar no horizonte para a actriz.

Fantástica reconstituição da época, mérito também para o director artístico, assim como para o argumentista, J Michael Straczynski, mais conhecido da ficção ciêntifica como criador da mítica série “Babylon 5”. Straczynski passou cerca de um ano a pesquisar todos os documentos legais onde o caso foi registado, e o resultado é um argumento sólido e uma narrativa fluída.

Há que destacar ainda a banda sonora, também composta por Clint Eastwood. É ela o nosso primeiro contacto com o filme, surgindo ainda antes do fade-in e reflectindo desde logo uma intensidade dramática construída com pausas nunca demasiado longas.
Pontos fracos? Apenas um, quando dá a sensação que Angelina Jolie perde a personagem numa cena de intensidade dramática mais forte, no entanto, apenas a sensação.

É bom voltar a ver um representante do Classicismo cinematográfico no grande ecrã, sentir o cuidado posto na construção da estória e o tempo dedicado às interpretações dos actores. Venha daí o próximo Eastwood, Gran Torino, já com data de estreia marcada em Portugal.

Acho que já não estamos na Pixar *

2008-12-29T19:27:00.001Z

Depois de chegarem a Madagascar no capítulo anterior, Alex o Leão, Marty a Zebra, Glória o Hipopótamo e Melman a Girafa vão agora a África onde descobrem o seu lar ancestral e antepassados não muito distantes.

A guerra entre os estúdios de animação tem um líder destacado e, infelizmente para Madagascar 2, não é a Dreamworks. É verdade que o ogre verde é uma criação deste estúdio dos amigos Spielberg, Katzenberg e Geffen, mas não consegue ainda chegar ao nível de qualidade e apelo que tanto míudos e graúdos sentem com uma obra dos estúdios Pixar. Pode não ser justo referir numa crítica que este filme não é aquele, mas o barómetro de qualidade é indiscutível em todos os campos. Enquanto que a Pixar caminha na direcção do fotorrealismo, em Madagascar 2 a opção é por uma estilização cartoonesca de animais excessivamente antropomorfizados, assim como na maioria das animações da Dreamworks. Se em contos de fadas com gatos de botas e princesas consegue ser adequado, quando há interacção entre humanos e animais num universo que adere às convenções do Real, já começa a ser mais complicado aceitar.

Voltemos ao filme. Ao chegarem a Àfrica todos os quatro protagonistas encontram os seus grupos naturais onde se encaixam perfeitamente, até que a fórmula do capítulo anterior é repetida. Alex e Marty confrontam-se, colocando em causa a sua amizade, até que uma situação-limite os obriga a reatar o relacionamento entre ambos. Se a preocupação com os amigos é uma mensagem importante a passar às crianças, talvez seja importante também não as tratar como se fossem imbecis e investir em narrativas inovadoras e refrescantes (Wall.E). Também a registar o enorme tiro no pé que é manter as personagens mais carismáticas, os pinguins, de fora do ecrã durante a maior parte do tempo, os melhores momentos são protagonizados por estas aves impossibilitadas de voar, desde uma emboscada a turistas na savana a negociações sindicais com os trabalhadores manuais do seu novo projecto.

* Texto publicado na edição de 9 de Dezembro do Jornal Universitário A Cabra

Edição de Video-Clube*

2008-12-29T19:20:00.002Z

No inicio de “Boa Noite e Boa Sorte” vemos um discurso de Edward R. Murrow advertindo para uma vigilância ao papel social da televisão, não nos pode isolar do mundo através do entretenimento inconsequente, avisa o jornalista. Estávamos em 1958, mas o paralelismo entre os eventos retratados no filme de George Clooney e a realidade americana do passado muito recente não pára aqui. O ambiente de terror instituído pelas esferas de poder e acusações infundadas lançadas aos mais diversos opositores nos anos '50 é representado pelo Senador Joseph McCarthy e pelo Comité de Actividades Anti-Americanas, sempre pronto a lançar o epíteto de “Comunista” a quem quer que se lhe opussesse. Vidas foram destruídas, carreiras interrompidas, mesmo a indústria do cinema não escapou ao ambiente de paranóia vislumbrado na “Ameaça Vermelha”. Este clima de divisão maniqueísta é realçado pela opção estética do preto e branco, visão do “nós contra eles” a que os fundamentalismos não têm medo de recorrer.

O filme é um exemplo do que o Cinema ainda pode ser quando não tem medo de falar de temas que não apelem apenas à faixa etária mais jovem, mas falemos agora da edição DVD.
Em substituição do tradicional anuncio da Associação Portuguesa de Editores de Videogramas, advertindo contra os malefícios da pirataria digital, somos brindados com três trailers de filmes completamente díspares assim que colocamos o disco no leitor. Estará a Prísvideo a ignorar a luta constante que se deve manter contra as cópias não autorizadas? Não temos forma de saber, mas a inclusão de publicidade a outros lançamentos da editora trás à memória as edições em formato VHS dos clubes de vídeo, que nos informavam de outros filmes disponíveis. O conteúdo dos extras não é animador: o anunciado documentário de produção, apesar de bem conseguido, tem apenas 15 minutos e não há comentários do realizador. Pelo menos não chegamos ao ridículo de anunciar como “Extra” os menus interactivos do dvd...

* Critica dvd publicada na edição de 25 de Novembro do Jornal Universitário A Cabra

Acho que fui infectado*

2008-12-29T19:16:00.002Z

"Ensaio sobre a Cegueira" (Fernando Meirelles, 2008)

Uma doença não identificada cega a população de uma cidade (mundo?). Esta é a premissa de “Ensaio sobre a Cegueira”, tanto do livro como do filme; ambos um desafio à interpretação dos seus leitores, deixando (muito) espaço aberto a análises sobre a causa, simbolismos, efeitos e cores de uma cegueira que conduz toda uma população ao apocalipse.

Comecemos pelo início: numa cidade sem nome vários habitantes começam a perder a visão, não se trata, no entanto, de uma cegueira normal, é um mal-branco, nunca visto, incurável e indecifrável; incapazes de lidar com o crescente número de cegos, as autoridades competentes tratam de os juntar num mesmo espaço sem qualquer preocupação para com o bem-estar ou saúde a longo-prazo dos seus concidadãos que, também eles, ao fim de algum tempo perdem a sua humanidade e esquecem que o preço a pagar pela dignidade é demasiado elevado.

Alegoria sobre a decadência da moralidade do Homem cujo destino previsível é a miséria colectiva, quando a solidariedade é abolida da conduta do quotidiano, “Ensaio sobre a Cegueira”- o filme- perde muito pouco em relação à obra escrita; além do inevitável problema que qualquer adaptação sofre, de poder desiludir a visão pessoal do leitor sobre o romance, apenas é de realçar como as descrições visuais de Fernando Meirelles são mais contidas que as descrições escritas de José Saramago. A destacar a opção de Meirelles pelo branco como cor dominante, por vezes mesmo a ocupar a tela por inteiro, sem deixar espaço a qualquer outra forma reconhecível, um comentário do realizador ao mundo de 2008, actualizando a estória de 1995, fazendo o publico sentir um pouco da doença-branca de que as personagens sofrem? A destacar ainda o trabalho de caracterização do espaço do manicómio abandonado, onde nada funciona como devia e onde a sujidade se vai acumulando em quantidades cada vez maiores; como ponto negativo a pontuação irónica que a banda sonora por vezes empresta a cenas que, noutro contexto seriam alvo de riso, mas neste filme poderiam adquirir uma carga dramática suplementar, se bem utilizadas.

Visualmente arrebatador, a obra de Fernando Meirelles não fica muito atrás do livro de José Saramago, sendo fidelíssimo ao material de origem sem nunca descurar o facto de ter de transportar uma narrativa pouco simples para uma linguagem completamente diferente. Dando uma vista de olhos pela imprensa internacional, as críticas negativas vão-se acumulando e é verdade que “Ensaio sobre a Cegueira” não é um filme fácil de assimilar, com sequências duras de seguir e imagens complicadas de processar, no entanto, é sempre de assinalar quando um filme, como este, é capaz de despertar processos cognitivos no espectador deixando-lhe espaço para chegar à sua interpretação, sem lhe impôr uma solução única.

* Texto publicado na edição de 25 de Novembro de 2008 do Jornal Universitário A Cabra

"Quem é quereria ir à Bélgica?!?!?"

2008-11-19T21:06:00.002Z

Bruges, cidade bucólica. Bruges, cidade medieval. Bruges, destino turístico apreciado pela multiplicidade de turismo cultural á disposição dos visitantes. Bruges, local perfeito para dois assassinos a soldo se esconderem depois de um trabalho que acabou mal.

É este o ponto de partida para “Em Bruges”: dois trabalhadores da indústria dos “afastamentos coercivos” são enviados para a cidade belga algumas semanas até que o ambiente causado por um trabalho mal executado se possa dissipar. Até aqui nada de fantásttico num filme que deixa antever, pelo trailer, mais uma estória de gangster ao estilo “Snatch” de Guy Ritchie. Ou seja, muitos tiros, muitos palavrões e personagens idiossincráticas enquanto que o resto do filme passa numa névoa de movimento estilizado.

“Em Bruges” não é isto.

“Em Bruges” é um Noir-Europeu como há poucos, sendo que aqui não é a cidade o local ameaçador que tão bem é representado no noir clássico, mas é sim um local quase paradisíaco subvertido pela presença de duas figuras que escapam ao bucolismo da “cidade medieval mais bem preservada da Europa”. Sigamos então para as personagens. Comecemos por Ray, interpretado por Colin Farrel, é o jovem impaciente, atormentado pelo tal trabalho que não correu bem e dominado por sentimentos de culpa em relação ao que fez. Para Ray, não só a cidade de Bruges é uma pasmaceira, como também o país onde ela se encontra, “Porque é que alguém tem de ir à Bélgica?” deixa a interrogação ao espectador no final do filme. Ao bom estilo do cinema noir, a culpa e os tormentos de Ray são finalmente ultrapassados quando este consegue relacionar-se com a mulher redentora do filme. Ken é mais velho que Ray. Ken aprecia o tempo passado em Bruges como uma verdadeira oportunidade para relaxar e acalmar, ao contrário de Ray. É o mentor deste, tendo os dois uma relação com uma dinâmica pai-filho que Ken será obrigado a testar por imposição de Harry. Harry é o patrão dos dois. Apesar de não ter meias-medidas no tratamento dos seus empregados, Harry é um homem de príncipios, o que não deixa de ser uma ironia, tratando-se de um gangster. Há ainda que referir o anão racista (do qual não me lembro do nome), cereja no topo do bolo de humor negro e seco que é este filme. A festa com o anão e as prostitutas a que Ken e Ray vão é uma das peças centrais na definição do tom de comédia negra, apesar de ser apenas um interlúdio na narrativa principal da relação entre Ray e Ken.

Primeira longa-metragem de Martin Mcdonagh, este que é já um realizador oscarizado com a curta Six-Shooter, faz aqui bem a transição para formatos de maior duração. O filme aproveita bem a paisagem de Bruges para lançar mão de alguns planos extremamente belos, enquanto deixa a narrativa a fermentar. Nada a destacar no campo da fotografia, mas a banda sonora merece destaque, com o minimalismo a saltar à cabeça.

“Em Bruges” é um filme sobre a inocência, como se perde, como a recuperar, se é que é possível e como a manter num contexto extremamente contraditório com ela. Excelentes desempenhos dos três actores principais, Brendan Gleeson, Ralph Finnes e, sobretudo, Colin Farrel.

Star Trek v2.0

2008-11-19T00:39:00.000Z

Lembram-se do Star Trek? Do William Shatner, do Leonard Nimoy, do James Doohan, da Nichelle Nichols e do DeForrest Kelley e do George Takei?

Eu lembro, e tenho saudades deles. Até do Patrick Stewart, do Johnathan Frakes e do Brent Spinner.

Bons tempos, grandes estórias e actores capazes de nos fazer acreditar que um painel com luzes a piscar eram o controlo da Drive-Warp e do Teletransportador.

Bem, acho que fiz passar o suficiente para passar a ideia de que estou bastante céptico quanto a esta re-invenção do Star Trek, da qual os argumentistas já disseram que precisava de mais "Star Wars".

O trailer, portanto, e esperemos pelo dia 8 de Maio do próximo ano.

Já há muito que não falava aqui no Watchmen

2008-11-13T00:46:00.002Z

Aqui estão seis posters diferentes, cada um com uma das personagens principais. Como aperitivo deixo o Rorshach...

JCVD

2008-11-13T00:30:00.000Z

Um obrigado ao JBM, que me alertou para esta preciosidade...

O dom da ubiquidade

2008-11-12T20:39:00.001Z

Também estou por aqui, a partilhar as assoalhadas com os colegas de programa...

W (Oliver Stone, 2008)

2008-11-12T20:38:00.000Z

A estória é conhecida, melhor ou pior, pela maioria da população atenta. George W Bush tornou-se o 43º presidente dos Estados Unidos no final do ano 2000. Desde então tem-se posicionado solidamente na pole position para a pouca ambicionada honra de “Pior Presidente da História”.

Apoiado numa linha temporal não-linear, o filme inicia-se, literalmente, dentro da cabeça de W. Durante uma reunião de preparação da guerra do Iraque, George vai ao seu lugar seguro: um estádio de basebol vazio onde ele é a estrela. Simbolicamente não poderia ser escolhido melhor local para que W se sentisse à vontade. O tem o som de aplausos ruidosos e W é o unico jogador em campo a apanhar a bola decisiva que decide o encontro, no entanto, algo está errado. O estádio está vazio e mais nenhum jogador está em campo. W acaba de ganhar um jogo sem qualquer concorrência e sem nínguem a ver. No final do filme, voltamos ao mesmo estádio, com W a tentar fugir dos problemas de uma guerra sem fim à vista, mas desta vez já nem a bola está no estádio. De certa forma, George W. Bush é isto mesmo: um jogador de basebol sem público, sem companheiros de equipa ou adversários a rodeá-lo e agora sem qualquer ideia de onde está a bola, aquilo que mais importa para um praticante deste desporto (“keep your eye on the ball”, ouvimos em outros filmes), representando aqui o foco do presidente, disperso por sua própria culpa.

Voltemos um pouco atrás. Como foi que W se transformou em Presidente dos EUA, era esta a pergunta que Oliver Stone lançava durante a campanha publicitária. É esta a estória que vemos ao longo das cerca de duas horas de filme. Nada que seja novidade, dada a extensa bibliografia já dedicada a George W. Bush, mas não deixa de lá estar quase tudo: o alcoolismo, a dificuldade em manter um emprego e, sobretudo, o tratamento que os amigos lhe davam como “rei da festa”, “macho-alfa” devido às relações familiares. O dificil relacionamento com os pais não deixa também de aparecer, assumindo principal importância a forma como W e “Poppy” Bush se relacionam. George Herbert Walker Bush é a antítese do filho. Ou melhor, o filho é a antítese do pai. Contraste procurado pelo próprio filho numa busca Edipiana de sair da sombra do pai, na tentativa de o superar e ultrapassar o mandato unico do pai como presidente. É tanto mais significativo então, o confronto entre os dois, durante um pesadelo de W, na sala oval da Casa Branca. Aqui nos é revelado outro dos segredos da familia Bush, que não é assim tão segredo: era a Jeb, e não George W, que estava a ser preparado o terreno para ascender à presidência, com “Poppy” a acusar W de destruir, em 8 anos, o nome da familia Bush.

Oliver Stone decidiu transpor para a forma cinematográfica a ascensão ao cargo de homem mais poderoso do mundo com relativa simplicidade, deixando o tom de sátira política presente apenas nas subtilezas da bando sonora, assumindo desta forma as declarações e actos das personagens principais como sátira reflexiva, uma espécie de conceptualidade na paródia que o é sem que os seus causadores se apercebam que a estão a fazer.

Quem é então George W. Bush? O filme de Oliver Stone abstém-se de traçar uma definição final, mas deixa algumas pistas. Ao longo das analepses é-nos dado a conhecer um homem comum, na corrente actual da narrativa vê-mos essa mesma pessoa, mas com poderes para ordenar a invasão de um estado independente e é talvez esse o traço definidor de W: um homem comum, que nunca deveria ter tido poderes tão alargados, em ultima análise, que nunca deveria ter sido eleito.

O que fazer depois das eleições?

2008-11-05T17:31:00.000Z

Salas Escuras endorses... Jon Stewart?!

2008-10-30T23:53:00.001Z

Entre os Dedos (2008, Tiago Guedes e Frederico Serra)

2008-10-29T18:14:00.001Z

Se nos ultimos dias se tem sentido mais frio na rua, quase que poderia dizer que se deve em parte a este filme. Não por rejeitar uma ligação afectiva ao espectador, há bastante por aqui para o estabelecer, mas pelo olhar frio que os realizadores têm da sociedade portuguesa, em particular da desgraça que lhe é transversal.

Mas comecemos pelo início. De acordo com o Cinecartaz, «Entre os Dedos
é a história de um conjunto de pessoas que agora se limitam a sobreviver dentro do destino que lhes coube. Mas enquanto uns desistem e deixam cair os braços, outros resistem, esbracejam e lutam, recusando-se a deixar-se conformar.Depois de uma derrocada numa obra, Paulo perde o emprego porque denunciou a situação. A sua relação com a mulher vai piorando dia após dia. Anabela, a irmã de Paulo, vive com o pai de ambos, que sofre de síndrome do Ultramar. Bela é enfermeira e o único conforto de um doente terminal.»

Passando por cima da tradição nacional de incluir na sinopse uma interpretação do filme que se está a promover, a primeira impressão que se tem é que vamos assistir a mais um filme-mosaico, tão na moda. Sim, é um filme-mosaico, mas feito com os meios à disposição dos portugueses. Se a associação com um produtor brasileiro contribuiu para que o desnível técnico da produção nacional não se sinta aqui (e que parece sentir-se cada vez menos, mesmo em filmes 100% portugueses), estamos perante um filme-mosaico mais limitado em termos de dispersão de personagens e estórias a contar.
Aqui, a estória principal gira à volta do casal Paulo e Lucia (magnifíca Isabel Abreu), com algumas breves espreitadelas para a vida do pai e irmã de Paulo e de um doente a receber cuidados paliativos da ultima, que é enfermeira.
A economia torna-se util no desenvolvimento da narrativa principal de Paulo e Lucia, mas seria ainda mais util eliminando a estória do doente em fase terminal (cujo nome não cheguei a apanhar), que acaba por atrapalhar mais do oferecer uma perspectiva suplementar sobre o sofrimento humano.

Voltemos às personagens e à sua extrema humanidade. Paulo é um recém-desempregado depois de ter sido despedido da obra onde trabalhava, é-nos dado a entender por denunciar condições de segurança não cumpridas. O enorme orgulho impede-o de aceitar ajuda de quem quer que seja, mesmo do pai, com quem tem uma relação complicada. Após o despedimento é ainda lançado para uma depressão que o leva a negligenciar o que seria mais importante: procurar novo emprego. Lucia é a mulher de Paulo, mãe heróica de dois de filhos que tenta o possível e o impossível por manter o orçamento familiar equilibrado. A juntar a este relacionamento problemático está o da irmã e pai de Paulo. Ele, ex-combatente da guerra colonial portuguesa, racista contido com uma filha mulata. O confronto entre ambos está latente até que o pai explode e chama a filha de “preta” enquanto ouve um hino de exaltação à Guerra em Angola.

Salta à vista a fotografia a preto e branco, transportando para o espectador a glacialidade da vida das personagens do ecrã. A realização da dupla Tiago Guedes e Frederico Serra também merece uma referência, sendo de evidenciar a característica claustrofóbica que é dada à própria casa de cada uma das personagens, como se o mundo desabasse, mesmo no local onde se poderia encontrar algum conforto. A utilização de uma banda sonora minimalista contribui também uma sensação de frio vinda do ecrã. Não há nada de bonito ou para relaxar neste “Entre os Dedos”. Tudo é dificil de aguentar, a dor está presente em cada fotograma. Na esteira de Alejandro Gonzalez Iñarritu, aqui é a miséria da existência portuguesa no início do século XXI que é dissecada num argumento de Rodrigo Guedes de Carvalho. Sem compromissos na forma como cada personagem é retratada e na forma como a cada situação é dada uma resolução sem o ser, um final em aberto, porque a vida continua e é preciso continuar em frente.

Pode não ser o melhor exemplo de cinema português para o grande público, o apelo comercial de uma obra destas é bastante reduzido, mas é um bom sinal para os tempos que aí vêm, mostrando como é possível fazer cinema em Portugal sem deixar qualquer pormenor técnico enfraquecer a qualidade da obra.

"Vá lá... faz o meu dia!"*

2008-10-29T16:52:00.003Z

Eu sei que ainda falta estrear "The Changeling" mas, dos dois filmes que Eastwood tem para estrear este ano, este Gran Torino parece-me o mais promissor. Pode ser que me engane, mas o aspecto de justiceiro crepuscular de Clint Eastwood continua a vender desde que se adicionou a expressão "crepuscular" a tudo o que ele faz desde "Imperdoável". Em baixo, o poster. Em breve, o trailer.

* Tentativa parva do autor do post de fazer uma tradução bem humorada da famosa citação de Dirty Harry "C'mon... Make my day!". Claramente sem o efeito pretendido...

The International - Poster

2008-10-29T16:47:00.003Z

Em silêncio desde "Perfume", Tom Tykwer, um dos mais promissores jovens realizadores europeus, prepara já o regresso com "The International", thriller sobre o mundo da alta finança com Clive Owen num dos principais papeís. Em baixo, o primeiro poster.

‘We have to bring more Star Wars into Star Trek.’”

2008-10-06T20:46:00.003+01:00

Quem disse isto?

É uma afirmação controversa, tendo em conta a rivalidade entre os fãs norte-americanos de ambas as sagas, pedir que o Universo do Capitão Kirk e do seu Oficial de Ciências Spock seja alvo de uma influência directa do Mundo dos Jedi.

São mundos completamente diferentes, com formas diferentes de encarar a Humanidade. Em Star Wars temos a luta contra as Forças do Mal, a aventura dentro do Universo conhecido sem grande ligação com a ânsia da Descoberta. É Aventura, e, nota-se sempre que o enfâse é colocado mais na parte política daquele Universo, que a coisa não funciona tão bem como o resto. Comparar, por exemplo, O Império Contra-Ataca com A Ameaça Fantasma.

Star Trek é o oposto. É a busca do sentido da existência, é a ânsia da Descoberta e do contacto com outros povos, conceitos complicadíssimos de relacionamento e comportamento de altas esferas de governação. É a Utopia da Humanidade em acção, a explorar o espaço.

Como se vão dar os dois conceitos, se chegarem a ser incluidos no mesmo filme? É esperar por Dezembro para ver.

Gene Roddenberry deve estar a dar voltas no túmulo...

Só para confirmar que não...

2008-10-06T20:12:00.002+01:00

fui raptado.
morri.
fugi para o Brasil.
emigrei para a Suiça.
estou de férias.
ando nas drogas.
trafico gado mirandês.
me candidatei a um cargo público
...

O blogue segue dentro de momentos...

p.s. plagiado descaradamente daqui.

On Fire

2008-09-05T01:50:00.002+01:00

Primeiro: a verdadeira razão porque os Republicanos escolheram uma cidade próxima de Minneapolis para a Convenção. Ainda se lembram de Larry Craig?

Depois: O já habitual jogo de gato e rato em que se encontram as contradições flagrantes das "talking heads" pró-republicanas (Karl Rove, Bill O'Reilly, etc...)

Por Fim: Um dos mais experientes políticos republicanos a ter de dançar à volta de argumentos contraditórios apresentados pela mesma pessoa e também algumas afirmações republicanas rídiculas.

O programa costuma ser bom, mas este é para recordar. O link para o episódio completo: http://www.thedailyshow.com/full-episodes/index.jhtml?episodeId=184082

E já se passaram dez anos

2008-09-01T18:42:00.002+01:00

Uma das minhas citações preferidas é a do Gang de Nihilistas, com um forte sotaque germânico e dita de forma extremanente ameaçadora: "We are Nihilists, Lebowski, We believe in nothing!"

Cátia Vanessa Boliqueime

2008-08-28T00:18:00.002+01:00

Já falta pouco para a estreia do mais recente filme do Woody Allen, "Vicky Christina Barcelona". Até lá, temos aquilo que mais se aproxima a um extra de dvd produzido pelo nova-iorquino: "excertos" um diário de rodagem publicados no New York Times. Aqui está o link.

Deixo apenas um exemplo do que poderão lá encontrar, no bom estilo "Allenniano"

JULY 15
Once again I had to help Javier with the
lovemaking scenes. The sequence requires him to grab Penélope Cruz, tear off her
clothes and ravish her in the bedroom. Oscar winner that he is, the man still
needs me to show him how to play passion. I grabbed Penélope and with one motion
tore her clothes off. As fate would have it she had not yet changed into
costume, so it was her own expensive dress I mutilated. Undaunted I flung her
down before the fireplace and dove on top of her. Minx that she is, she rolled
away a split second before I landed causing me to fracture certain key teeth on
the tile floor. Fine day’s work, and I should be able to eat solids by
August.

O "Botas" Americano

2008-08-23T17:55:00.001+01:00

Aqui encontram um making of de algumas das cenas do filme. Pode até nem vir a ser grande coisa, mas de certeza que vai levar muita gente ao cinema.

Enquanto o Tarantino esfrega um olho - II

2008-08-23T17:44:00.002+01:00

Pois, aquilo que era verdade à umas semanas atrás já não o é agora. Até parece que estou a iniciar um texto sobre o futebol português, mas não. Para falar novamente sobre Inglorius Bastards, o próximo Tarantino que, afinal, já não vai contar com Simon Pegg...

Kung-Fu Panda (Mark Osborne e John Stevenson, 2008)

2008-08-23T17:39:00.000+01:00

O ursinho po é uma alma sonhadora, sempre a divagar para um munfo onde é a aestrela do kung fu na aldeia local. Um mero ajudante no restaurante de sopas do pai adoptivo (um ganso), chega no entanto, o dia em será elevado ele próprio ao estatuto de potencial herói com que tanto havia sonhado.

A dreamworks volta à carga, na épica batalha pelo controlo do mercado da animação onde sempre ocupou o segundo lugar (a Pixar domina) e agora parece estar a perder mesmo essa capacidade de ser o segundo melhor estudio neste género fílmico. Shrek 3 não foi o sucesso de critica que se esperava, revelando que a fórmula pode estar a atingir a data limite de validade. Constantes referências à cultura pop sempre basearam todo e qualquer esforço fílmico, na animação, do estudio fundado por Spielberg, Geffen e Katzenberg, algo em que Kung Fu Panda já não aposta para manter a frescura e arrancar gargalhadas à sua plateia. Aqui é aproveitada a extrema inadaptação do urso Po a toda e qualquer tarefa física em que se envolve. Daqui resultam alguns momentos assinaláveis de "slapstick", fazendo com que o filme valha por si próprio, sem recorrer à muleta de referências a outros filmes ou a eventos famosos da cultura planetária.

A narrativa é desenrolada com alguma facilidade, o que não é alheio ao facto de toda a estória ser bastante simples: o tigre mau está preso, teme-se a sua fuga e nomeia-se um herói para o derrotar, o herói terá primeiro de ultrapassar os seus próprios receios e aceitar aquilo que é para conseguir a vitória. Bastante simples e até reflexo de anos de dominio de outro estudio no campo da animação. É impossível não sentir o aroma a Disney quando reparamos na "Moral" da estória: tudo o que precisas para ter sucesso está dentro de ti. Não deixa de ser uma espécie de retrocesso no caminho trilhado pela Dreamworks, que, especialmente no franchise do ogre verde, primou por apresentar personagens fora do comum e questionar o legado de Walt Disney ao mundo da animação.

Com as habituais vozes de estrelas de carne e osso, Po reflecte em muito Jack Black, actor que lhe dá voz e, muitas vezes, parece também emprestar algum do seu carisma de movie-star alternativa. Dustin Hoffman brilha na voz de Shifu e a agradável surpresa do filme, conseguindo transmitir vocalmente um abrangente leque de emoções (ao que não é também alheia a evolução da animação computorizada). Como grande ponto de destaque há que referir a sequência inicial, plena de vigor cromático, reminiscente mesmo do género kung-fu. Como ponto negativo... quase tudo o resto. A Dreamworks continua a cair no erro de escolher uma overdose de estrelas para emprestar a voz às suas criações, dando a sensação de rídiculo quando anuncia determinado actor que não tem tempo para, através da voz, fazer notar a sua presença ao público. Alguém reparou em Seth Rogen e Angelina Jolie neste filme?

Nota-se o esforço de sair de erros comuns num passado recente, mas há ainda que trabalhar bastante no desenvolvimento de narrativas mais exigentes para um publico, também ele, habituado à marca de qualidade da Pixar.

"The Incredible Hulk" (Louis Letterrier, 2008)

2008-08-11T23:11:00.001+01:00

Bruce Banner está agora no Rio de Janeiro, habita nas favelas e trabalha afincadamente para encontrar uma cura para os seus “acessos de fúria” Entretanto, mais a norte no continente americano, o general Ross usa toda a tecnologia ao seu dispor para encontar o cientista foragido.
Segundo filme produzido exclusivamente pela Marvel, segunda tentativa de transpor o Homem Verde ao grande ecrã. Na primeira tentativa o resultado foi um dos blockbusters mais interessantes até à altura, com uma abordagem extremamente psicológica de Ang Lee às origens do Hulk. Estimulante em todos os sentidos, na tentativa, bem sucedida, de fusão entre a linguagem cinematográfica e as vinhetas da bd, Ang Lee conseguiu imprimir um ritmo muito interessante a um filme que podia não o ter, dado tratar-se de uma sempre problemática “História de Origem”de um Super-Herói. O que faltou, então, para a Marvel decidir-se a uma nova abordagem à personagem? Apesar de ter sido um sucesso de bilheteira, o final demasiado simbólico assutou os fãs acérrimos da personagem e o espaço de Ang Lee para continuar à frente de um hipotético franchise esgotou-se.

Trate-se então de chamar um realizador especialista em cinema de acção, Louis Leterrier, e investir a fundo em efeitos visuais de ultima geração. No entanto, um pormenore há a destacar na abordagem da Marvel Comics ao conceito de blockbuster: os actores. Na sua primeira produção independente, foi notório o investimento em actores de qualidade reconhecida (Jeff Bridges, Robert Downey Jr são bons actores em qualquer filme) e para este Incredible Hulk foram chamados nada mais, nada menos, que Edward Norton, William Hurt e Tim Roth. Um ponto a favor da nova versão. Também é bom de notar alguma tentativa em não descartar completamente a versão anterior. Para isso, nada melhor que uma solução extremamente simples: os créditos inicias servem para re-inventar a História de origem desta personagem, já não deve os seus problemas de anger management a experiências do próprio pai, mas sim a um trabalho que testou nele próprio. Re-mitificação do nascimento tratado ainda antes da primeira linha de diálogo e sem descartar o trabalho de Ang Lee, uma vez que esta nova versão se inicia na América do Sul, para onde remetia o final do filme anterior. Trabalho sem falhas, até aqui. Começam os problemas. Liv Tyler é uma Betty Ross muito inferior a Jennifer Connely, tratando-se aqui do único ponto franco no elenco, sendo sempre de louvar a tentativa da Marvel de trazer actores de qualidade às suas produções, aqui alguém falhou no casting.

A grande aposta nesta nova versão era claramente forçar a nota no filme de acção. Para isso foi contratado o (suposto) especialista Louis Leterrier. Confesso que não conheço o trabalho anterior do senhor. Sei que é responsável pelos “Correio de Risco” que, ao que parece, são bons. Pela amostra em Incredible Hulk confesso que fiquei desiludido. Não há aqui a frescura e o arrojo que Lee utilizou na versão anterior quando introduziu os códigos da bêdê na linguagem cinematográfica (que saudades do dinamismo de montagem da versão anterior). Aqui até a fotografia parece ter demasiado grão e a técnica de realização resume-se à utilização excessiva de imagens aéreas para introduzir um novo espaço de acção. O argumento parece sólido e bem construído, abrindo espaço para a entrada em cena de novos heróis da Marvel no mundo cinematográfico, ainda utilizando algo que é bastante frequente no mundo dos quadradinhos desta empresa: os cruzamentos de personagens centrais.

De uma maneira estranha, as duas versões do Hulk acabam por se completar, se na versão original, era a coragem de levar o herói ao interior de si próprio e reflectir isso na utilização estimulante de novos códigos, aqui encontramos alguns actores de créditos bem firmados a fazerem aquilo que fazem melhor. Tanto o vilão deste filme é mais ameaçador como o confronto final mais recompensador para espera ver acção de grande calibre neste tipo de filmes. Juntos, ambos os filmes poderiam fazer uma grande obra, sendo assim acabam por ser apenas duas interpretações com algumas falhas e bastantes boas intenções.

Enquanto o Tarantino esfrega um olho

2008-08-11T22:00:00.003+01:00

Nas ultimas semanas têm sido muitas as novidades e os rumores à volta do novo projecto do realizador com o queixo proeminente. Já se sabia o título (Inglorious Bastards) e como a sinopse parece decalcada do "Doze Indomáveis Patifes". Agora, temos já dois nomes dados como certos no elenco, um deles de peso, o outro uma surpresa que pode resultar em algo muito agradável. Brad Pitt e Simon Pegg.

Sim, esse Simon Pegg.

Parece que é já esta semana

2008-08-11T21:53:00.000+01:00

que voltamos a ter Pixar.

"Forgetting Sarah Marshall" (Nicholas Stoller, 2008)

2008-08-11T21:46:00.001+01:00

Gosto de Judd Apatow. Gostava das séries que criou para a televisão e vim a saber mais tarde serem dele: “Freaks and Geeks” e “Undeclared”. Aqui encontra-se a génese do humor perpetuado nas obras com o dedo Apatowiano (permitam-me cunhar o termo): os desajustados, os marginais de determinada classe assumem o protagonismo e por isso é tão fácil aderir a esta migração para o cinema de conceitos e personagens que antes não o povoavam. Já não são as personagens representativas do maior denominador comum que aparecem aqui, são os amantes da marijuana, os perpetuamente inadaptados que Apatow ama e apresenta ao seu espectador. Basta ver quem são as personagens centrais dos seus filmes. Em “Virgem aos 40 anos” é ... bem, o título explica. A personagem de Steve Carrel era ainda o desajustado adolescente sem jeito para abordar raparigas e que mantinha uma colecção enorme de “action-figures” ainda dentro da embalagem original, para não perderem valor. “Superbad” recua até ao final da adolescência e ao momento marcante em que os dois melhores amigos se separam para melhor apreciarem as companhias femininas. “Knocked Up” apresenta outro momento de passagem, o jovem adulto que se apercebe que vai ter um filho e tem de se deixar dos hábitos do lobo que vive em alcateia em regime de sobrevivência hedonista.

Com todo este discurso prévio pretendo demonstrar como, apesar de ter emitido juízo de valor extremamente subjectivo logo no início do texto, este texto baseia-se em critérios objectivos, atrevo-me mesmo a considerar Apatow um “Autor”, sim com a maíuscula, dada a sua persistência em tratar certos temas e centrar as suas obras, como realizador ou produtor, em tipos de personagens muito específicos. Agora com “Forgetting Sarah Marshall” encontramos novamente o jovem adulto. Desta vez é um jovem adulto de sucesso, a trabalhar numa área que escolheu, apesar de não ter toda a liberdade criativa que desejaria, e encontramos outro momento marcante para a vida masculina: o abandono da namorada de longa-duração. Peter Bretter é o compositor de banda sonora de uma série televisiva de sucesso, da qual a namorada é a estrela e a Sarah Marshall do título. Destroçado pela ausência da namorada decide tirar um período de férias no Havai onde, enorme azar para ele, mas motor do filme, volta a encontrar Sarah, também de férias mas com o novo namorado, o rocker britânico Aldus Snow.Nick Stoller dobra como argumentista e actor principal, ele que já havia trabalhado com Apatow em “Freaks...” e em “Koncked Up” e pode ser visto na interessante série “How I Met Your Mother”. Sendo o argumentista o principal actor, não se pode deixar de referir o coração e alma com que Stoller agarra a personagem. No trabalho de actores há pouco mais a destacar (já vi o filme há cerca de dois meses, posso não me estar a lembrar de todos), com interpretações competentes da maioria do elenco e um Russell Brand fantástico como Snow mas que me parece ser apenas uma persona que este comediante britânico já adoptou (uma recente entrevista levo-me a esta conclusão). De facto, as personagens parecem ter sido adaptadas à personalidade dos actores com Jack Mcbrayer a interpretar novamente um inocente vindo do sul dos Estados Unidos, tal como em 30 Rock, Paul Rudd é o descontraído instrutor de surf e Mila Kunis é a simpática recepcionista do Hotel. Posso andar longe da definição psicológica destes actores mas as persongens que normalmente interpretam apresentam estas características. Estaremos perante um caso de type-casting aplicado a todo um elenco de um filme? Fica a dúvida no ar, pelo menos para já.

Deixando a parte saborosa e que me vai merecer mais elogios para mais à frente, passemos pela realização e aqui gostaria de colocar uma enorme dúvida: qual é o estilo de realização para a comédia? Visto sempre como um género menor, poucos são os actores ou filmes distinguidos ao mais alto nível nesta categoria e a dúvida perpetua-se neste filme. A realização é extremamente funcional, sem qualquer rasgo que lhe possa ser apontada, de tal modo que o nome do realizador me escapa neste momento. Valerá talvez uma investigação aprofundada, quiçá uma tese de mestrado nos próximos anos, identificar códigos e marcas de realização no género comédia... Existem alguns problemas de raccord, nomeadamente numa cena em Peter tem um copo e, por artes mágicas, o copo muda de mão em cada troca de plano. Nada de muito grave e que possa de alguma estragar aquilo de que vou escrever a seguir.

Tal como em todas as outras obras com o dedo da linha de montagem de Judd Apatow, “Sarah Marshall” está carregado de referências à cultura pop. A começar logo nos primeiros planos do filme, com a apresentação da série onde a personagem titular trabalha, “Crime Scene: scene of the crime”, em que Sarah Marshal é uma detective especializada em Ciências Forenses, especialização que usa para capturar criminosos, em parceria com um outro detective, este com uma pose excessivamente cool, sempre de óculos escuros na cara e com um one-liner pronto a sair a qualquer instante, antes de entrar a banda sonora. Uma clara referência a... Vá lá, eu sei que vocês sabem... Não, não vou dizer, deixem lá nos comentários as hipóteses e dou um chupa a quem adivinhar primeiro.Em frente, a sátira às celebridades do mundo do entretinemto é o ponto forte deste filme. A começar pela mimetização das populares séries de investigação, Aldus Snow é depois apresntado como uma versão ainda mais exagerada de Bono e a sua suposta consciência social. No entanto, como a consciência social já não vai estando na ordem do dia, Snow é eco-consciente e a sua canção de despertar de mentes é “Alguém tem de fazer alguma coisa”, um hino a toda a piroseira pop que vai povoando os tops dos mais vendidos. O filme prossegue, alegremente destruindo ícones pop até, alguns minutos depois do inicio da película, somos brindados com a nudez frontal de Nick Stoller, mostrando como o resto do filme seguirá o registo do Humor de Humilhação.

Há um problema com os filmes de Judd Apatow no mercado cinematográfico português. A que público devem ser dirigidos? Até aqui temos assistido a traduções ignóbeis que desvirtuam completamente a percepção que espectador pode ter do conteúdo do filme. Super-Baldas (acompanhado de uma campanha de spots publicitários horríveis) e “Um Azar do Caraças” são dois exemplos de traduções que apelam a um público mais familiarizado com a saga American Pie e com o seu humor debragado e sem qualquer neurónio que o sustente. Nos filmes de Apatow encontramos, à primeira vista, o mesmo tipo de humor que sobrevive através de funções corporais em situações inapropriadas e innuendos sexuais de baixa estirpe. Sim, estas características estão lá, à superficie, mas mascaram uma camada inferior de sátira bem pensada (o trabalho de Stoller como argumentista deste filme é assinalável) e, sobretudo, de momentos importantes na existência de qualquer ser humano que acabam por demonstrar uma sensibilidade de tratamento assinalável. Como prova de ma campanha publicitária mal direccionada e da escolha do genial título nacional de “Um belo par... de patins” temos as meninas me fizeram companhia enquanto espectadoras na exibição deste filme. Olhando de relance a conclusão que se podia tirar era estar na companhia de um grupo de adolescentes de 14-15 anos, sem capacidade de encaixe para a maior parte das referências pop que, claramente, foram ao engano. Deixo-vos com a pérola que ouvi aquando da nudez frontal do actor principal, precedida de inspirações de espanto: “Não vi!”...

ERRATA: onde se lê Nick Stoller, referindo-se ao actor principal e argumentista do filme, deve ler-se JASON SEGEL. As desculpas ao visado.

Em Busca do Tempo Perdido

2008-08-11T21:38:00.002+01:00

Não, não vou falar de como saborear madalenas me levam de volta à infância, este post apenas serve para avisar que nos próximos dias voltarei aqui com algumas críticas atrasadas. Algumas de filmes que já não se encontram nas salas de cinema, outras de estreias mais recentes. Apesar de trabalhar sete horas por dia, há que justificar o período de férias académicas.

Dubya

2008-07-30T00:12:00.002+01:00

Sim, parece um telefilme, mas não te esqueças que isto é ainda um teaser. Há muito corte que deixa apenas ver as personagens principais e o trabalho que devem ter dado à equipa de maquilhagem. Mas deixa-me dizer que o casting de James Cromwell como papá Bush é um achado...

Watchmen

2008-07-29T23:34:00.002+01:00

Zack Snyder aguentou-se muito bem em "300", não é qualquer um que atira a uma graphic novel do Frank Miller e sai bem visto. Parece que no remake daquele filme de zombies também não tinha ficado mal na fotografia. Mantém-se pelo mundo dos comics e avança para um projecto que espera desde os anos 80 para ser feito. Watchmen tem uma premissa semelhante a "The Incredibles": Super-heróis ilegalizados que tentam viver normalmente, mas num contexto absolutamente diferente. Aqui a Pixar não entra e para já, o que se pode dizer é que o trailer tem bom aspecto.

Post absolutamente umbiguista a dizer "ó pra mim e para as coisas que faço", ou, a razão de um ano calmo no blog

2008-07-29T22:48:00.002+01:00

Faculdade: 14 cadeiras concluídas, uma para Setembro para terminar a licenciatura;

Críticas: Cinema e DVD no Jornal Universitário A Cabra;

Rádio: RUC- emissões dos jogos da Académica; programa de cinema às quartas "Os Suspeitos do Costume, agora de férias; Módulo "As Artes na Rádio" ao Curso de Informação 2008;

Produção: Curta-Metragem "Encontramo-nos onde nos encontramos sempre", ainda em montagem;

Produção: Teatro Musical "Cabaret" para a Semana das Artes 2008;

Produção: Teatro Musical "Cabaret" (sim, a dobrar), colocação no Festival SET, organizado pela Escola Superior de Musica e Artes do Espectáculo, do Instituto Politécnico do Porto;

Jurí: Jurí Oficial do IV Até Breves - Festival de Curtas Metragens da Associação Académica de Coimbra;

Jurí: Jurí de Imprensa do Festival Caminhos do Cinema Português, edição 2008;

Actividade Literária: "O seis das 18", conto publicado na Via Latina. (ponto ainda não encerrado e com potenciais novidades para depois de Outubro).

Ano preenchido. Agora que precisava de umas férias retemperantes, há que ganhar algum dinheiro...

O blog segue dentro de momentos.

Judd Apatow

2008-07-02T16:42:00.002+01:00

É grande. Já o tenho dito em vários sítios e a quem me pergunta. Está a nascer um fenómeno curioso na comédia cinematográfica americana. Para breve a crítica a "Forgetting Sarah Marshall" mas, para já, o poster do próximo:

O título do filme é "Pineapple Express" e não, não é um filme sobre uma nova rota da CP... Só olhando para o poster, tentem adivinhar.

Craig... Daniel Craig!

2008-07-01T02:50:00.002+01:00

Ora bem, depois do ultimo mês meio complicado com uma coisa que se chama "licenciatura", volto às internetes de forma mais aplicada e que encontro? O primeiro trailer para o próximo Bond! The Quantum of Solace é o título, estreia marcada para dia 7 de Novembro e o trailer mostra-nos como Daniel Craig sabe empunhar uma arma e andar com estilo, tudo ao mesmo tempo!

Nem todos somos um Indiana Jones

2008-06-03T22:59:00.005+01:00

É o conselho que tenho a dar ao sr. Eddie Murphy. Nos anos oitenta, quando Murphy tinha piada, um dos filmes que o ajudou a tornar-se um nome familiar para o grande publico foi o díptico (ui, ui, palavras caras...) Beverly Hills Cop, que em Portugal recebeu a inspiradíssima tradução de "O Caça-Polícias". O primeiro filme era muito interessante, aproveitando na altura a carreira de Murphy, que se encontrava a descolar, para oferecer um polícia com métodos pouco ortodoxos para apanhar os vilões de serviço depois de estes lhe terem morto o amigo em casa. Simples, directo, sem floreados desnecessários e a mostrar um actor com grande capacidade para o papel que lhe coube, mostranda aí a diferença de actuação das Policias de duas cidades opostas: a rica, educada e limpa Beverly Hills; e a cidade dos trabalhadores de colarinho azul, Detroit. Passados alguns anos surge a sequela. Um pouco o remastigar da fórmula de sucesso do passado, ainda assim com leveza cómica já, no entanto, sem o lado mais negro que havia passado por todo o primeiro filme. Ainda se via bem.
Em 1994 surge a terceira parte. Acho que não andarei muito longe da verdade se classifcar este filme como um dos piores que já tive o desprazer de visionar. WTF?! A certa altura há um cameo de George Lucas num parque de diversões. Parque esse que servia para negócios obscuros, como seria de esperar num filme de policias e ladrões, mas aqui já com demasiada ligeireza no tratamento da estória. O principio do fim da carreira séria de Eddie Murphy, com apenas alguns fogachos desde então, Bowfinger é o exemplo de um Oásis no meio do Deserto.
Agora, 2008, surge a noticia de que vai haver uma quarta parte. Com o nome associado à realização a ser o de Brett Rattner. Sim, esse. O responsável pela magnífica trilogia "Hora de Ponta". Se me dão licença, vou um pouco ali para o canto para ver se me passa a depressão...

Mais Indy...

2008-06-02T23:43:00.002+01:00

Este ultimo texto foi escrito no seguimento da critica no post anterior. Decidi dividir por duas partes para não "maçar" muito a vista dos caros leitores. Todos os sete...

Afinal o que é Indiana Jones, na sua génese? Uma personagem de homenagem aos Serials de série B que os jovens Steven e George viam na infância. Os Republic Serials, tão referidos nas revistas da especialidade das ultimas semanas não eram mais do que filmes de série B, onde a aventura e a adrenalina era aumentadas ao máximo. Os primeiros três Indiana Jones eram isso mesmo, sem tirar nem por. Aventuras, feitas com muito estilo, onde as emoções ganhavam precedência sobre tudo o resto. Um pormenor, no entanto, a génese está na série B, mas os meios, a forma de contar de estória e mesmo a qualidade dos intérpretes está toda na mais A da série A. Por isso sempre foi relativamente fácil gostar, desde o início de Indiana Jones, porque era interpretado por um grande actor, dirigido por um grande realizador, cujas estórias vinham do dono de uma grande imaginação. Além disto, Indiana Jones apela à infância dos seus espectadores, e aqui está o busílis da questão interpretativa desta ultimo capítulo: parece-me que nos esquecemos da inocência com que encarámos a trilogia original, o olhar cínico do critico de cinema e do jovem adulto com formação superior tem ganho força sobre o olhar da criança que se apaixonou pelas aventuras do Indiana Jones, na década de oitenta. Esta falta de inocência e olhar cínico são bem evidentes nos comentários que se vão encontrando por todo o lado e até nas conversas que se ouvem. É criticada a falta de realismo da cena das cascatas; um pedregulho gigante como armadilha contra intrusos é bem mais fácil de digerir, assim como o salto de UM AVIÃO, DENTRO DE UM BARCO DE BORRACHA PARA UM RIO, ou passar por cima de uma ponte invisível.

Sim, é impossível sobreviver a uma explosão nuclear dentro de um frigorífico, o baloiçar em lianas na selva amazónica pode não ser tão fácil como parece para os iniciados, mas também pode ser pouco provável sobreviver à queda de um tanque para um penhasco, mesmo que se salte segundos antes do momento fatídico. Portanto, talvez seja necessário rever a trilogia original e todos os pormenores que o olhar cansado e habituado a captar as fragilidades de outras cinematografias não captou devido à fascinação da infância não apanhou na altura. Ou então esquecer tudo e apenas pensar que no ecrã gigante está o Indiana Jones, tal como o recordamos de vinte e tal anos...

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (2008, Steven Spielberg)

2008-06-02T23:38:00.003+01:00

O professor Henry Jones Jr acaba de escapar, por pouco, a um encontro com agentes soviéticos no deserto do Nevada. No entanto, após os ter ajudado, sob coacção, a recuperar um artefacto de um armazém no meio do nada, as suas actividades caem sob a alçada investigadora do FBI, sendo suspeito de actividades não-americanas. É aqui que surge “Mutt” Williams, jovem que o recruta para procurar um antigo amigo perdido nas selvas da América do Sul.

Esperava ansiosamente pela estreia de “Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal”. Sou fã do arqueólogo mais famoso do planeta e aguardava com alguma expectativa o regresso do homem do chapéu e chicote, 19 anos depois. As primeiras críticas, que fui lendo na diagonal para não correr risco de me serem revelados pormenores importantes, davam a sensação que Lucas tinha feito o mesmo que no Episódio A Ameaça Fantasma de Guerra das Estrelas, ou seja, estragado a coisa quase irreversivelmente. Mantive um entusiasmo contido, porque não era Lucas na cadeira de realizador, mas sim Spielberg e, por muitas coisas que o homem seja, ainda acho que mantém um bom senso razoável, mas também porque, caramba: é o Indy! O homem que encontrou a Arca da Aliança, descobriu e derrotou uma seita obscura nos confins da Indía e, last but not least, bebeu do Cálice Sagrado. Tenho uma teoria sobre o porquê desta resistência insana ao mais novo capítulo das aventuras de um dos mais espectaculares heróis de acção de todos os tempos, apesar de ser professor catedrático... Reservo essa teoria para depois da análise ao filme. Era uma tarefa arriscada, recuperar um herói, tendo de actualizar a linha cronológica para que a personagem acompanhasse o envelhecimento natural do actor que lhe dá corpo e rosto. Mesmo em termos de estória a apresentar, seria cada vez mais complicado, porque os tempos de aventura sem rede estavam cada vez mais longe, com os anos 30 a serem apenas uma recordação no retrovisor da Hitória (bonito, hã?). Encontramos agora Indy nos anos 50, época que nos Estados Unidos corresponde a filmes de série B sobre extraterrestres, o “Perigo Vermelho” e o início de convulsões sociais, com os primeiros sons do rock a serem ouvidos. Ao olhar para os primeiros dez minutos de filme podemos marcar um visto em cada uma destas categorias. Os jovens que desafiam o condutor de uma coluna militar para uma pequena corrida, ao som do “Roque”, elementos dessa coluna militar que acabam por se revelar soldados soviéticos em busca de uma determinado artefacto num armazém... Não, não vou revelar, apesar de ser no início do filme, é já relevante para o desenvolvimento da narrativa. E é aqui que começo por falar o ritmo do filme. Alucinante, desde o incio. Cenas de acção bem montadas, com os ângulos bem escolhidos e com o respeito suficiente pelos espectadores para lhes permitir olhar e ver tudo o que se passa no cenário, não cedendo ao estilo de montagem MTV-OLHEM-NÃO-OLHEM-JÁ-PASSOU-QUALQUER-COISA-IMPORTANTE-E-VOCÊS-NÃO-VIRAM. Sim, sr. Michael Bay, era para si...
“Old School”, tal como a deliciosa vilã Irina Spalko (óptimo nome para um vilão) promete no início. No entanto, é nesta personagem de cate Blanchett que começam as falhas do filme. Spalko é uma vilã mal aproveitada, aquele sotaque fantástico (Ucrânia, de acordo com o Dr. Jones) merecia muito mais tempo de ecrã. Há que referir o já anunciado regresso de Marion Ravenwood, outra personagem que merecia ser mais bem aproveitada, nota-se perfeitamente que foi colocada no guião já com o navio a zarpar do cais e apenas por exigência dos fãs. No entanto, é sempre um prazer ver Marion e a forma como Karen Allen e Harrison Ford mantém uma química invejável, mesmo depois de tanto tempo. A personagem destinada a ser aqui o “sidekick” de Indy é claramente Mutt. Shia Laboeuf, aqui a ser apontado como futuro sucessor da série de aventuras à moda antiga, em mais do que uma maneira. Há algo na química entre Indy e Mutt que lembra a dupla Jones, Sr e Jr de A Ultima Cruzada. Não só esse pormenor que já toda a gente sabe, mas com o próprio Indy a replicar expressões utilizadas pelo pai durante a ultima aventura (“Isto é intolerável”, que pormenor delicioso aquando da fuga dos soviéticos).
A estória leva algumas reviravoltas mas acaba por se dirigir para onde já todos sabiamos que iria desde o inicio. Até porque Indy sobrevive a isto tudo, pelo menos até aos noventa anos, conforme confirmam as suas memórias durante a série de tv. É agradável ver Spielberg de volta ao cinema de acção, com o respeito que tem pelo público, já fazia falta alguém que voltasse a colocar a técnica ao serviço da narrativa, servido aquela apenas e quando a ultima o justifica. Ainda aqui há que referir a mise-en-scéne que pode parecer bastante básica ao mais cínico dos críticos, mas que de facto, é a indispensável e a unica que cada sequência pede. Uma nota ainda para o CGI do final. É certo que estamos na presença de uma estória de série B, mas será que era absolutamente necessário ter algo tão ranhoso?
Não é A Ultima Cruzada, mas também não é o Templo Perdido, fica ali no meio, sendo um regresso em grande forma de um dos heróis preferidos de toda a gente, atingindo por vezes alguns momentos a recordar para a eternidade (chamo a atenção para toda a cena passada nas areias movediças e as piscadelas de olho a Sean Connery).

Kevin Smith está de volta

2008-06-02T02:25:00.002+01:00

Mantenho que "Perseguindo Amy" é dos melhores filmes sobre o Amor e o sentimento de posse sobre outra pessoa. O primeiro "Clerks" é inovador q.b., retratando através da estética câmara de vigilância o dia de dois empregados de uma loja de conveniência. A partir daá apenas a destacar "Dogma" pela irreverência com que é tratada a mitologia cristã. Mais um punhado de filmes sem nada a acrescentar, mas sempre com aquele estilo de comédia "raunchy" (desculpem, escapa-me a tradução) que tem sido explorada pela equipa de Judd Apatow nos ultimos tempos. Não é então de admirar que o protagonista masculino do seu próximo filme seja Seth Rogen, um dos colaboradores mais próximos de Apatow. O título do filme é "Zack and Miri make a Porno" e é bastante evidente. Zack, ele, e Miri, ela, vão fazer um porno. O teaser em baixo é apenas uma série de improvisações que não estarão no produto final (palavras do próprio Smith) mas que servem para estabelecer um tom ao resto do filme.

Por falar em Coens...

2008-05-31T23:45:00.003+01:00

Voltam a trabalhar com JK Simmons, George Clooney, Frances Mcdormand et al em Burn After Reading, onde um "pintas" encontra um cd com material ultra-secreto no ginásio onde trabalha. Por este trailer vemos que pode estar aqui um grande papel para Brad Pitt, e um regresso ao tom de comédia fora do normal que trouxe reconhecimento a Joel e Ethan.

Aceitam-se apostas quanto à tradução inspirada que o título deve levar: Negócios Secretos é o meu favorito...
Já agora: "Report back to me when... when it makes sense!" é bastante citável.

Personagens de uma vida I

2008-05-31T23:26:00.003+01:00

Há personagens na carreira de um actor que valem por filmes inteiros. Frases inesquecíveis, um penteado arrojado, a colaboração com o tal realizador que correu bem. Para John Turturro, essa personagem é talvez Jesus Quintana, criação partilhada com os Irmãos Coen em "The Big Lebowski". Jesus Quintana tem cerca de 5 minutos de ecrã em todo o filme, pouquíssimos diálogos que, quando tem, são apenas dirigidos, e existem em função de, Jeffrey Lebowski e a sua equipa de bowling. Jesus Quintana é, no fundo apenas e só, uma personagem ultra-secundária, sem qualquer peso na narrativa do filme, existindo apenas para criar uma vida, além daquela descrita nas peripécias da narrativa, à personagem principal Lebowski. No entanto, apesar de ser apenas "papel de parede" ao resto da estória, funcionando como cola para todo aquele mundo, é uma das personagens inesquecíveis do Cinema e, concerteza, inveja de muitos actores. O segredo para este sucesso? Turturro, John Turturro. Excelente actor, capaz de se transfigurar para cada papel que interpreta, aqui todo ele se transforma no latino Quintana, criatura que me parece incapaz de existir fora do Universo dos Coen. Desde o fato-macaco roxo, ao rabo-de-cavalo devidamente protegido pela rede, a unha do dedo mindinho, a profusão de aneís, é todo um conjunto de signos que nos apresenta a personagem e nos dá a conhecer um estilo que pode ser interpretado como desviante do normal, ainda antes de abrir a boca ou nos ser dada alguma história sobre a sua vida passada. Por tudo isto, Jesus Quintana vai ser uma das criações pelas quais iremos recordar John Turturro, muito depois dele ter desaparecido, esperamos que daqui a muito tempo.

Ele vem aí...

2008-05-18T21:27:00.000+01:00

"It's good pie"

2008-05-18T21:19:00.002+01:00

MY BLUEBERRY NIGHTS, 2008 - WONG-KAR WAI

Começo este texto por dizer que não conheço a obra anterior de Wong-Kar Wai. Nem sei se é assim que se escrever o nome dele. Agora que já pus toda a gente desse lado a pedir um auto-de-fé à minha pessoa e a ditar sentenças inteligentes do tipo: “só vê vê cinema americano, é só comercial que lhe interessa, nem sequer sabe quem é o grande cineasta experimental romeno Nkinof Andriu”, servindo isto como caução para toda a gente que quer falar sobre Cinema e não sobre filmes...
Pois bem, voltando a Wong-Kar Wai, escrevi no inicio que não conheço a obra deste realizador, no entanto, o zum-zum que o rodeia em todas as revistas da especialidade e sites dedicados ao cinema levaram-me a querer ver por mim próprio o porquê de tão boas indicações.
Comecemos então por falar do filme. Elizabeth é uma jovem cuja sorte ao Amor lhe parece ter escapado. Depois de uma separação tumultuosa, acaba por passar as noites num café, a comer tarte de mirtilo e a falar sobre a Vida, o Amor e Tudo o Mais com o gerente, também ele esquecido por Cupido algures no grande percurso da Humanidade. Uma noite, Elizabeth parte. Faz uma grande viagem por toda a América onde encontra outras personagens também desgostosas com a sorte que o Amor lhes reservou e acaba também por se encontrar a si própria.
Este filme tinha muito para falhar. Primeira incursão no Cinema de uma cantora (essas coisas não costumam resultar muito bem) e como co-protagonista Jude Law (também conhecido como Michael Caine Wannabee). No entanto é mesmo este par que acaba por surpreender e oferecer algumas das melhores cenas do filme. De facto, é o rapport que ambos os actores conseguem estabelecer um dos pontos fortes a destacar nesta primeira incursão de Wong no cinema falado em inglês. Law e Jones apresentam-se aqui como grandes surpresas, ele por contrariar o estereótipo de ser apenas uma cara bonita e conseguir impressionar como ex-maratonista que decidiu deixar de correr até que alguém o apanhe e ela, que, sendo esta a primeira viagem ao mundo do cinema, consegue disfarçar muito bem potenciais falhas. É verdade que a câmara gosta muito de Norah Jones, basta comprovar vendo alguns dos clips das musicas da filha de Ravi Shankar.
O estilo filmico de Wong é qualquer coisa. De notar a tentativa de colocar o espectador no lugar de voyeur nas cenas passadas em Nova iorque, sempre com algo entre a objectiva e os dois protagonistas no interior do café. Aqui também a referir o enorme vigor cromático que o realizador empresta a cada plano, quase como se Nova Iorque fosse uma versão ocidentalizada de Hong Kong, plena de neons e vermelho escarlate. Deliciosa também a brincadeira com a câmara de vigilância do café, que de acordo com a personagem de Jude Law, se “tem sentido mal”, enquanto nos coloca nesse preciso ponto de vista. Querem melhor reflexão sobre os males que afectam o mundo do um simples “mal-estar” que nos faz ver a imagem desfocada e tremida, sem nos conseguirmos focar naquilo que verdadeiramente importa.
Este não é, no entanto, um filme de apenas dois actores. Há também que falar de de David Strathairn, Natalie Portman e Rachel Weisz. Se de Weisz já só esperamos o melhor, aqui a interpretar muito bem a variação do amor ainda adolescente, que terá surgido porventura demasiado cedo e, desse modo, não pode ser devidamente apreciado, Strathairn começa a revelar como um dos actores americanos mais sólidos dos últimos anos. Aqui interpreta o desgosto, a dificuldade em largar aquilo que já não nos quer. É a auto-destruição em forma lenta, sempre um dia mais próximo do fim, sempre a tentar a redenção onde ela não existe. Já Natalie Portman é aqui a personagem menos aproveitada e, porventura, mesmo mais irritante. É a menina mimada que faz de tudo para ter a atenção do pai, mesmo quando não a consegue da maneira que pretende.
Visualmente brilhante, interpretações também acima da média, My Blueberry Nights destaca-se do resto da manada fílmica também pelo enorme cuidado com a direcção artística (delicioso, o vaso onde Law guarda as chaves) e com o som do filme. E sim, quero ver mais filmes com Norah Jones, a câmara gosta dela e isso é meio caminho andado, mas com mais algum trabalho pode estar ali mais uma boa actriz.

"Dá-me um whisky, 'tou esfomeado!"

2008-05-18T21:14:00.004+01:00

IRON MAN, 2008 (JON FAVREAU)

Tony Stark é um génio. Tony Stark é dono de uma empresa multimilionária. Tony Stark é um Playboy. Tony Stark acaba de se aperceber que as armas que a sua empresa fabrica são usadas contra inocentes e contra o exército norte-americano. Pode parecer a premissa para um filme bélico-moralista com Steven Seagal ou Dolph Lundgren no principal papel, mas Homem de Ferro é muito mais que isso. Para já é a adaptação ao Cinema de um dos heróis de BD da Marvel e, apesar de isso não significar desde já uma caução de qualidade indíscutivel, é um bom principio.
Vejamos então a situaçãop concreta de Stark: Playboy multimilionário, dono de uma empresa de armamento e génio da invenção. É capturado no Afeganistão por um grupo terrorista e vê como as armas que constrói são utilizadas pelos inimigos que deveriam combater. A partir daqui algo se altera na sua consciência, Stark passa a querer um mundo mais justo. Como já escrevi em cima, este momento narrativo poderia deitar todo o filme a perder, ao transformar esta película naquilo que tanto odiamos, “o filme que tenta ser mais do que é”, sentença por vezes atirada a torto e a direito quando não temos muito mais para dizer mas não queremos deixar de passar a ideia de quem percebe muito disto. Aqui o realizador tem a perfeita consciência que está a trabalhar num filme baseado num comic-book e, apesar de ter este ponto do “lutar pelo lado correcto” e “a experiência alteradora da percepção exterior”, que já estava no material de origem, Iron Man nunca deixa de ser um objecto de entretenimento, consciente que tem de apelar à boa disposição do publico, cativá-lo para gerar uma empatia com as personagens principais e, acima de tudo, ter aqueles picos de acção tão comuns ao blockbuster de origem norte-americana.
Os heróis da Marvel são personagens torturadas, empurradas para situações desagradáveis que não desejavam. Tony Stark pretendia apenas continuar o seu estilo de vida bon-vivant mas tem uma coisa que o incomoda, uma consciência. Como consumidor adolescente dos comics da Marvel, esta característica parece-me comum à grande maioria das criações desta marca. Se repararmos nos heróis mais emblemáticos já passados ao ecrã (Homem-Aranha; X-Men), são sobretudos pobres coitados que se metem em algo que os ultrapassa, torturados por emoções bem humanas, ou têm capacidades que os obrigam a tomar atitudes para corrigir injustiças, fruto de uma moral que todos gostaríamos de seguir e encaramos com aquilo que é correcto (os mais fortes protegem os mais fracos). Quando se fala em “filme de super-heróis realista”, penso que terá de ser por este lado que temos de procurar o realismo. Não por um uso de efeitos visuais que pareça mais próximo daquilo que encontramos do dia-a-dia ou por uma fuga ao Fantástico como elemento visual, mas por um desenvolvimento de personagens humanas, com quem o espectador se possa relacionar. Afinal de contas, quem não se identifica os problemas do estudante Peter Parker enquanto pobre coitado a quem a míuda dos seus sonhos não presta a devida atenção.
Voltando ao filme que me motivou a escrever este texto, é inevitável no entanto, não enaltecer o grande trabalho visual da equipa de produção de Homem de Ferro. É dificil não aceitar a maior parte dos efeitos visuais, apesar da sua grande dose de espectacularidade, como algo de orgânico, algo autêntico, que poderia muito bem acontecer no “mundo real”. O senão deste ultimo ponto é a grande batalha final entre os dois antagonistas mas, não se pode ter tudo...
Downey Jr é Tony Stark e pode dizer-se que é muito bem aproveitado para este papel, com a sua própria experiência como alcoólico e dependente de drogas a valer-lhe para encarnar a face mais séria de Stark, mas também para personificar a parte mais festeira da personagem. Parte festeira que dura apenas alguns minutos, depois de uma decisão de montagem muito inteligente de Jon Favreau. O realizador agarra o espectador pelos colarinhos logo no inicio da película, mostrando primeiro a captura de Stark pelo grupo terrorista e só depois mostrando em flashback aquilo que era a vida do multimilionário.
É um bom início para a época de Blockbusters deste ano, apesar de não atingir o nível, em termos de filmes de super-heróis, de um Homem-Aranha 2, este sim, o valor pelo qual se medem todas as aventuras dos quadradinhos transpostas ao grande ecrã.

Pornografia sueca e a invenção do Alley-Oop*

2008-05-07T18:51:00.002+01:00

Quais são as expectativas que se devem alimentar quando se vê um filme com Will Ferrel? Concerteza que não haverá grande profundidade psicológica, um realizador com rasgo criativo que nos surpreenda a cada plano, um avanço significativo no campo da Arte Cinematográfica. Não, não há nada disto, mas pode ser divertido.
Jackie Moon é o proprietário/treinador/jogador-estrela dos Flint Tropics, equipa da defunta American Basketball Association. Quando é informado de que a ABA se vai fundir com a NBA no final da época, mas apenas as quatro melhores equipas, Jackie tenta de tudo para que os seus Tropics sejam um dos afortunados. “One-Hit Wonder” com “Love me sexy” (procurem o clip no Youtube, ele existe), Moon tenta de tudo para levar a sua equipa à bonança financeira e reconhecimento social que lha augura a NBA.
Semi-Pro acaba por andar naquela linha ténue que a comédia traça entre o desconforto e o gag certeiro: algumas piadas falham, mas as que acertam correm o risco de se tornar coloquialismos recorrentes, como a confissão do comentador Lou Redwood (excelente Will Arnett) que só sobreviveu ao Vietname graças à pornografia sueca.
Primeira aventura de Kent Alterman na realização, mostra algumas ideias interessantes mas no geral acaba por apenas se manter pela mediania, deixando o campo livre para que Ferrel e companhia possam brilhar. Não é Monty Python mas também não se cola muito à onda de comédias imbecis que vemos regularmente a atracar nos cinemas (são facilmente identificáveis, têm normalmente “movie” no título original ou são remastigações de outras obras). Semi-Pro descende da linha Saturday Nught Live da comédia americana, o que tanto pode ser bom como mau. Neste caso, fica ali no meio.
P.S.- Péssimo trabalho de tradução, que chega a confundir as regras mais básicas do basket: “travelling” não é a “regra dos 5 segundos”.

*Texto publicado no Jornal Universitário A Cabra

Voltando ao registo "Olhem as coisas bonitas que ando a fazer..."

2008-05-07T18:26:00.003+01:00

Tenho isto para vos mostrar:

"Cabaret"

Estas são ainda dos ensaios, a seguir vêm as do espectáculo:

Inserido na Semana das Artes 2008, apresentado no Centro Cultural e Académico D. Dinis. Um sucesso entre as cerca de 100 pessoas que estavam na sala, algumas mesmo sentadas no chão.

Rufem tambores, alguém encomende o fogo de artificio...

2008-04-07T22:20:00.003+01:00

...porque chegou às internetes o teaser-trailer e poster de Blindness "Ensaio sobre a Cegueira" para os que não falam "estrangeiro". O realizador é o brasileiro Fernando Meirelles, o elenco conta com Danny Glover, Julianne Moore, Mark Rufallo e Gael Garcia Bernal. Poster em baixo:

Trailer aqui também:

Espaço de Respeito

2008-04-07T22:16:00.002+01:00

Sim, é verdade que já não escrevo aqui à algum tempo. Também é verdade que já não ao cinema à ainda mais. Os visionamentos caseiros e académicos têm sido maioritariamente noir e a vontade de ver o que quer que seja de diferente não tem sido muita... Mas, depois de "Haverá Sangue", ver o quê?

In Memoriam

2008-03-18T22:16:00.002Z

Arthur C. Clarke

1917-2008

Autor de ficção ciêntifica, um dos mais importantes juntamente com Asimov e Heinlein, mais famoso na comunidade cinematográfica pela colaboração com Stanley Kubrick em 2001- Uma Odisseia no Espaço.

E há mesmo Sangue

2008-02-28T19:21:00.005Z

Andava a “fazer uma espera” a este filme há já algum tempo. Desde o momento em que soube que PT Anderson iria voltar a filmar e, ainda para mais, com Daniel Day-Lewis no principal papel. O trailer elevava ainda mais as expectativas de quem esperava uma obra do mesmo realizador de Magnolia, Boogie Nights e Punch Drunk Love. Afinal, PT Anderson estava sem filmar desde 2002 e o mundo era um local mais pobre com a sua ausência.

Mas comecemos a tratar do filme. Haverá Sangue apresenta-nos a estória de Daniel Plainview, prospector de petróleo numa América em mudança na viragem do século XX para o século XX. Sem escrupulos, ambição desmedida e sem qualquer problema em mentir ou enganar quem quer que seja para obter aquilo que pretende. É uma estória tipicamente americana, com o valor pessoal da personagem central a ser retratado ao longo do filme. Mas afinal que valor é este? Não andarei muito longe da verdade se disser que Daniel Plainview é das personagens apresenta maior rudez e falta de ligação ou empatia com qualquer outro mortal que se lhe atravesse no caminho que alguma vez povoaram um ecran. É Day-Lewis quem tem a tarefa de construir esta personagem que nas mãos de um realizador menor seria odiável mas que aqui não podemos deixar de sentir algum afecto. Talvez pelos planos inicias, vemos a luta solitária de Plainview no interior de um mina, a forma como supera um acidente para se transportar à cidade mais próxima. A partir deste momento, logo no inicio do filme, temos o mapa da personagem traçado. Infatigável, incansável, capaz de anular a dor física para atingir objectivos. O que pode conseguir alguém com estas características? Tudo.

O trabalho de actores é notável neste filme. É óbvio falar na composição de Day-Lewis, mostrando a cada olhar a ebulição de ódio e desprezo no interior de Daniel Plainview, mas é de referir também o jovem Paul Dano. Em nada fica atrás de Day-Lewis, interpretando um pastor fundamentalista, fundador da Igreja da Terceira Revelação, assumindo-se como curador e veículo para a palavra de Deus. Notável como consegue fazer frente a Day-Lewis em cada cena onde se cruzam , notando também uma grande química entre os dois actores a que não deve ser alheio de PT Anderson como realizador. É fácil ignorar esta interpretação, classificando-a como “menor” face ao outro “monstro” presente no ecran, mas Eli Sunday é um “monstro” diferente. Faz-se valer e atinge os seus objectivos com as armas contrárias de Plainview. Usa a palavra doce e o olhar meigo onde o prospector é rude e curto no trato. Os dois juntos na mesma cena ofuscam qualquer actor que tenha o azar de estar por perto.
PT Anderson não teve o dinheiro que queria para este filme, o que me faz perguntar: o que faria ele se tivesse? É notória ausência de gruas ou outros mecanismos para movimentar a câmara de um lado para o outro (a steady-cam é presença nos locais onde é necessária, mas além disso pouco mais)

A banda sonora é poderossísma, Jonnhy Greenwood prova que que a AMPAS precisa de rever os critérios para nomeações ao Óscar de melhor banda sonora original. Reflecte na perfeição a tortuosidade da alma de Plainview e, no entanto, não deixa de ter momentos de calma, propícios aos planos contemplativos que PT Anderson de vez em quando encaixa no meio da narrativa.
Diferente de Magnolia, Boogie Nights, Punch Drunk Love e, no entanto, mantém a mesma ligação umbilical com os trabalhos anteriores de Anderson. Todos se debruçam sobre a figura humana, seja para analisar o poder do Amor, a decadência da extrema riqueza conseguida com pouco esforço ou a necessidade desesperante de uma ligação com mais alguém. Aqui Anderson mostra-nos o lado lunar de uma alma humana, ao mesmo tempo que inscreve o seu nome na restrita lista dos cineastas que podem ser considerados Génios. Pode não ser um Citizen Kane, mas anda lá perto com toda a certeza.

Rescaldo

2008-02-28T18:24:00.002Z

Tentei a experiência de LiveBlogging enquanto acompanhava a emissão dos Óscares para a RUC. Provou-se uma tarefa dificil e mesmo quase herculea de conseguir, uma vez que tinha de bloggar enquanto mandava um ou outro comentário mais ou menos acertado em directo e ainda pensar em algo inteligente para escrever. Ao mesmo tempo que fazia isto tudo tinha ainda de ouvir o Sr. Jon Stewart e alhear-me dos comentários da TVI. Pouco prático e dificil de manter ainda para mais tendo de me articular com mais cinco pessoas em estudio. Por isso, mas também porque fiquei um pouco desiludido com a "não-vitória" do PT Anderson, só agora analiso com um pouco mais de pormenor o que se passou na madrugada de segunda-feira.

A cerimónia foi fraca. Em tudo. Longa, sem chama e com números musicais que só afastavam quem quer que tivesse o mais pequeno bom gosto sonoro. Os vencedores foram mais ou menos previsiveis. (Entre os os manos Coen ou Anderson, um deles iria ganhar com toda a certeza) e nem a habitual surpresa do clip inicial esteve presente este ano, concerteza ainda uma sequela da greve dos guionistas que terminou uma semana e meia antes da cerimónia. Os já habituais clips de montagens de filmes e/ou performances do passado não deixaram de marcar a sua enfadonha presença e, para culminar o suplicio, alguém se lembrou de por lá a Celine Dion a cantar o "My heart will go on", para gáudio do publico feminino que atravesssava uma fase estranha da adolescência no final da década de noventa. Como resultado? A cerimónia com menor numero de especatdores desde que se fazem medições de audiência nos Estados Unidos. Em Portugal foi a segunda mais vista desde o ano 2000.

A salvar isto tudo? Jon Stewart, em grande forma como vem sendo habitual. O comediante repetiu este ano a presença como mestre de cerimónias na mais mediática entrega de prémios do mundo do cinema e é capaz de ser mesmo o que de mais memorável fica da edição número 80 dos Oscares. Satírico como poucos, capaz de espicaçar os hollywoodescos egos da plateia com punchlines e improvisações que Ellen Degeneres, por mais simpática que seja, simplesmente não consegue debitar. Fica na memória o momento mais irreverente dos ultimos anos: Stewart a recuperar para o palco a vencedora da categoria de canção original para que esta pudesse fazer um agradecimento em condições, sem a orquestra a interromper o momento emocional da irlandesa de cujo nome já me esqueci.

Quanto aos vencedores, nada a apontar. Tinha esperanças que Haverá Sangue e Paul Thomas Anderson fossem os grandes vencedores da noite, mas os Oscares não ficam mal entregues aos Coen. Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Argumento Adaptado foram as categorias entregues por causa de Este País não é Para Velhos. Raramente nas cerimónias que tenho acompanhado nos ultimos anos tenho visto filmes tão bons, e com iguais hipóteses de vencer, nomeados nas mesmas categorias. Diablo Cody venceu a categoria de melhor argumento adaptado por Juno, com toda a justiça e sem qualquer surpresa, era a mais forte candidata do lote deste ano. Nos actores não houve também qualquer surpresa de monta. Daniel Day-Lewis e Marion Cotillard eram os vencedores anunciados, Javier Bardem não dava qualquer hipótese à concorrência, aquele Anton Chigurh é das personagens mais marcantes que já se passaram por ecrans nos ultimos anos. A semi-surpresa terá sido mesmo Tilda Swinton, a levar o unico Oscar para Michael Clayton, o grande derrotado da noite, ultrapassando Cate Blanchett que parecia ter o homenzinho dourado no bolso pelo seu retrato de Bob Dylan.

Resta ainda ressalvar a grande injustiça deste ano: Jonnhy Greenwood. Não foi sequer nomeado para Banda Sonora Original pelo seu trabalho em Haverá Sangue porque usa Samples de uma obra de Brahms e material próprio gravado anteriormente para outros efeitos. Assim sendo, a vitória coube ao agradável e inventivo, no entanto mais académico, Dario Marianelli por Expiação.

Cá nos encontraremos no próximo ano.

Sem surpresas...

2008-02-25T04:35:00.003Z

Daniel DayLewis ganha melhor actor principal. A seguir melhor realizador e melhor filme para Haverá Sangue?

O primeiro de muitos

2008-02-25T03:30:00.002Z

Haverá Sangue

Fotografia - Robert Elswit

Montagem

2008-02-25T02:40:00.000Z

Previsível: Bourne Ultimatum.

A primeira surpresa

2008-02-25T02:39:00.001Z

Actriz secundária: Tilda Swinton por Michael Clayton.

Actor Secundário

2008-02-25T02:13:00.001Z

Javier Bardem

Direcção Artística

2008-02-25T01:57:00.003Z

Mais uma previsão acertada... Sweeney Todd - The Demon Barber of Fleet Street

Era preciso perguntar?

2008-02-25T01:55:00.001Z

Animação - Ratatouille

Oscars 80th

2008-02-25T00:47:00.002Z

Jon Stewart a apresentar, com filmes da craveira de Haverá Sangue e Este País Não É Para Velhos. Apostas? (apenas categorias principais)
Filme- Haverá Sangue
Realizador - Paul Thomas Anderson
Actor Principal - Daniel Day-Lewis
Actriz Principal - Ellen Page
Actor Secundário - Javier Bardem
Actriz Secundária - Cate Blanchett
Argumento Original - Diablo Cody, Juno
Argumento Adaptado - Este País Não é Para Velhos
Animação - Ratattouille
Musica Original - Ratattouille
Montagem - Bourne - O Ultimato
Montagem Sonora - Este País Não É Para Velhos
Fotografia - Assassinio de Jesse James...
Direcção Artística - Sweeney Todd

Até já...

A sério?

2008-02-14T18:30:00.000Z

The Movie Of Your Life Is A Black Comedy

In your life, things are so twisted that you just have to laugh.
You may end up insane, but you'll have fun on the way to the asylum.

Your best movie matches: Being John Malkovich, The Royal Tenenbaums, American Psycho

If Your Life Was a Movie, What Genre Would It Be?

Se eu fosse um Muppett...

2008-02-11T01:55:00.000Z

You Are Fozzie Bear

"Wocka! Wocka!"
You're the life of the party, and you love making people crack up.
If only your routine didn't always bomb!
You may find more groans than laughs, but always keep the jokes coming.

The Muppet Personality Test

Pelo menos não é o terrorista islâmico "Cocas"... Aquele verde nunca me convenceu.

Três em Um

2008-02-07T18:51:00.000Z

Então é isto que eles fazem quando os guionistas estão em greve...

Call Girl (2007), António-Pedro Vasconcelos

2008-02-07T16:41:00.000Z

Um autarca do Alentejo é pressionado para aprovar um resort de luxo no local onde estão sobreiros com algumas décadas de existência. Os promotores da iniciativa tentam várias vezes sem sucesso até que avançam com o armamento pesado: a mulher de sonho. Meireles acaba por sucumbir ao encanto da sereia e assinar os papeís.

Gostei do filme. Digo-o sem qualquer preconceito pseudo-intelectual de critico que pretende passar um sério apenas fazendo criticas negativas. É certo que Call Girl tinha muito potencial para ser um verdadeiro policial, um film noir português, mas o facilitismo em que cai não é mau demais para se sair da sala de cinema mal disposto e a pensar no futuro do cinema português como algo apenas demasiado criptico e a almejar, acima de tudo, a mensagem. Pois bem, a mensagem está nos filmes mais insuspeitos de a conterem e, normalmente está presente apenas no subtexto, apenas acessível a quem a quiser procurar. É o caso de “Anatomia de um Crime”, mas isso é tema para outra conversa... O que assistimos no Cinema Português é uma tentativa desesperada e demasiado esforçada de passar a Mensagem, esquecendo coisas tão insignificantes como a narrativa, os actores, a iluminação. Não é o caso de Call Girl. Apesar de a estória ser subaproveitada, não deixa de ser bem construida. E com um tema caro aos portugueses: a tão actual corrupção dos funcionários publicos. Aqui o corrompido é o até à altura impoluto Meireles (Nicolau Breyner, como sempre, em grande forma) por um construtor civil (que se virá a revelar algo mais do que isso durante o filme), ávido de construir uma estância de luxo, com golfe, onde agora estão sobreiros (olá sr.s Nobre Guedes e Telmo Correia). A estória soa verdadeira.
Entra em acção a bela Maria, mulher perfeita, o ideal para seduzir o desgraçado Meireles e obrigá-lo, sem que ele se aperceba, a cair exactamente onde os corruptores queriam. Soraia Chaves, a campanha publicitária na tv foi delineada à volta dela e também o filme se foca mais nesta personagem, a Maria prostituta de luxo.

Pode estar uma boa actriz em Soraia Chaves, consegue manter uma boa quimica com Nicolau Breyner. É certo que existem exageros neste filme, as cenas de sexo são descabidas e a raiar o soft-core, talvez um pouco mais de bom gosto fosse necessário para não deixar o filme descambar para o mediatismo e imediatismo de mostrar os seios da Soraia Chaves.
Mas há outra personagem central: Madeira, o policia jovem interpretado por Ivo Canelas. No gabinete desta personagem encontramos um poster de Cães Danados e aqui encontramos a filiação deste Call Girl: o cinema americano. De facto, todos os diálogos parecem saídos de um policial americano. É bom ou mau? Parece ser bom, já que não deixam de parecer com algo que aquelas personagens diriam se confrontadas com situações semelhantes, principalmente o chorrilho de asneiras que sai da boca de toda a gente.

Temos bons actores de cinema. Este filme mostra um pouco do que pode ser uma industria cinematográfica portuguesa: Ivo Canelas (o policia com mais tomates que miolos), José Raposo (convincente como policia mais velho que tenta por juizo no companheiro), Joaquim D'Almeida (o empreiteiro sem escrupulos), Virgilio Castelo (o ministro yuppie, mais preocupado com as contas) e Raul Solnado, num pequeno, mas muito sumarento papel de comunista inveterado cujo desejo ultimo era ser enterrado com uma bandeira da foice e martelo por cima do caixão.
Acaba por se perder numa campanha publicitária sensacionalista e algumas cenas descabidas, mas é extremamente divertido enquanto objecto que pretende agradar ao publico sem no entanto o tratar como um cidadão com dificuldades ao nível dos processos cognitivos.

Cloverfield (2008), Matt Reeves

2008-02-07T16:30:00.000Z

Um Monstro do tamanho de um arranha-céus ataca Nova Iorque. Pessoas correm. Pessoas morrem. Pessoas são salvas (algumas).

Cloverfield esteve envolvido numa névoa de mistério até bem perto da sua estreia. Tudo para que os “habitantes da internet” tivessem algo para fazer enquanto o mais recente patch para o Warcraft não ficava disponível. Na verdade foi isto que aconteceu: O trailer apareceu antes da exibição do Transformers apenas com a data de estreia e o nome do produtor, JJ Abrams. Para muitos dos fãs de Alias e Lost, o nome JJ Abrams envolvido num projecto cinematográfico com explosões, gente a correr e um mistério por resolver deve ser o equivalente a uma noite de sexo louco com a Gisele Bundchen, Scarlett Johansson e Soraia Chaves. Ao mesmo tempo. O secretismo que envolveu a produção e mesmo a campanha de marketing viral é o grande segredo para o sucesso do filme. De outra forma, Cloverfield seria visto como aquilo que realmente é: Uma cópia de outros filmes do género, com o twist de vermos a acção através de uma câmara encontrada depois de os factos documentados terem ocorrido. Mas espera aí, onde é que eu já também vi isto? Ah pois, Blair Witch. E quem é que ainda fala de Blair Witch como um grande momento da história do Cinema? Nínguem? Precisamente. Acho que posso resumir este filme numa frase: Godzilla “meets” Blair Witch como se tivesse sido realizado por um Michael Mann epiléptico. Com o devido respeito ao sr. Mann...
Mas agora que já tratei de destruir de forma gratuita o filme, acho que posso falar de aspectos concretos.
Começamos por ver imagens gravadas anteriormente, de dois protagonistas, que nos estabelecem um passado idílico, e que voltarão ao ecrã sempre que for necessário estabelecer uma ligação romântica entre os dois (já que os actores não o conseguem fazer sozinhos). Depois saltamos imediatamente para a festa de despedida de um deles que acaba de arranjar um emprego no Japão. Durante esta festa conhecemos algumas das pessoas mais vazias que já habitaram uma tela de cinema. Nada a dizer, perfis de MySpace com pernas como diz o Peter Travers, uma inanidade atrás de outra. Até que por fim aparece o Monstro. Ou melhor, ouvimos o roncar poderoso dele. E quão poderoso é. Mas quando tinhamos passado os ultimos dez minutos num estado de sonolência induzido pela profundidade de diálogos anteriores, qualquer coisa nos acordava. Segue-se explosão-pessoas a correr-destruição-mimetização da paisagem urbana de NY a 11 de Setembro de 2001. Abrams disse que pretendia exorcizar alguns dos fantasmas do 11 de Setembro com este filme, pelo menos consegue imitar muito bem as imagens das cadeias informativas nesse dia e o efeito é realista, assim como o desnorteio das personagens principais face a algo que ataca a cidade e que não conseguem identificar.

A partir daqui Cloverfield assemelha-se mais a um Survival do que a um Monster Movie. É certo que o monstro está lá, convenientemente escondido pela noite e por alguns prédios, deixando o espaço para a imaginação dos espectadores trabalhar, mas a estória que seguimos é a de quatro personagens que correm para se salvar e a outra que está presa num prédio. Nesta corrida pela vida, Cloverfield convida-nos a entrar na aventura, quase na primeira pessoa uma vez que o olho da câmara nos projecta o que vemos na tela, mas o positivo esgota-se aqui. Se é verdade que mantém um ritmo elevado, também é verdade que o mantém à custa de uma pirotecnia exagerada, manipulando as emoções do espectador quando convém lembrar uma ligação romântica pouco credível e agitando a câmara de um lado para o outro, atingindo o nível da náusea muito cedo. É certo que este trabalho de câmara é propositado e atribui realismo à coisa, mas há limites para aquilo que estou disposto a aguentar numa sala de cinema.

O Natal atrasado*

2008-02-06T16:02:00.000Z

Ora bem, então por qual dos lugares comuns é que se deve iniciar esta crítica? “O Melhor Realizador de Todos os Tempos”; “Obcecado pelo Controlo”; “Perfeccionista”; “Frio e Não-Emocional”. A verdade é que qualquer que seja o cliché cansado e tantas vezes repetido em ínumeras ocasiões, não deixa de reflectir alguma verdade sobre Stanley Kubrick.

Sim, ele é um dos melhores realizadores de sempre, não faltam colegas bem famosos a louvar-lhe a categoria do trabalho. Sim, controlava todos os aspectos da produção em qualquer filme que estivesse envolvido. Sim, apenas a mais absoluta perfeição no mais ínfimo pormenor o contentava (Tom Cruise e Sidney Pollack que o digam, levaram três semanas para gravar uma cena!). E sim, mantém sempre uma certa distância em relação à matéria que filma, a tal emoção tão grata a outros cineastas não tem grande lugar na obra Kubrickiana.
Antes de escrever sobre a qualidade desta edição DVD, convém antes salientar uma falha. “Barry Lyndon”, filme de 1975, não está presente neste pack e a sua ausência é um pouco díficil de compreender, ainda para mais estando na linha cronológica desta colectânea.
Se é esta a pecha, o que dizer do resto? São cinco os filmes de Kubrick nesta edição, todos em edição especial de dois discos cada, perfazendo o total de dez dvd, com horas de extras. No material extra podemos encontrar o documentário biográfico “A Life in Pictures”, mais de duas horas com entrevistas a familiares, amigos e colaboradores do realizador americano. Além deste bom-bom praliné com o recheio que mais acharem saboroso, todos os outros filmes contam com fórmula semelhante: Multiplos documentários, mais curtos é certo, entrevistas e testemunhos de outros realizadores que, de uma maneira ou de outra, se sentem influenciados pela obra de Kubrick.

E sim, a angústia termina quando se exploram os extras de “2001: Uma Odisseia no Espaço”: o significado do Monólito Negro é explicado pelo co-autor do argumento.

(* texto publicado na edição de 5 Fevereiro do Jonal Universitário A Cabra)

Reflexões para um Cinema Português

2008-02-04T01:40:00.000Z

Porque é que os portugueses não vão ver o Cinema produzido para eles? É uma questão que preocupa qualquer pessoa que olhe para os números das bilheteiras com alguma honestidade intelectual. Será natural que os filmes nacionais mais vistos tenham muita sorte em atingir a marca dos cinquenta mil espectadores? (refiro o número de cabeça, se verificar que me enganei, será corrigido)

Apatia do público, simples dessinteresse, ou haverá uma questão de fundo mais importante que interessa analisar? Concerteza não será dessinteresse pelo Cinema em si, enquanto Arte, afinal outrs filmes que estreiam nas salas portuguesas apresentam sempre espectadores em números respeitáveis. Olhando para as listas dos mais vistos nos países vizinhos (França, Espanha), encontramos sempre alguns filmes nacionais na lista dos mais vistos do ano. Porque será que existe esta especificidade portuguesa, será algo mais de que nos teremos de orgulhar, tal como os salários mais "competitivos" da zona Euro?

É uma questão complexa, senão mesmo "A Questão" que interessa resolver se queremos uma indústria cinematográfica pulsante e viva, ao contrário do parasitismo que observamos agora. É óbvio que exitem filmes que escapam à lógica (peversa) dos subsídios e que conseguem esse crime de levar espectadores portugueses às salas de cinema a ver filmes nacionais. Quais são? São os "Filmes da Treta", os "Crimes do Padre Amaro" e quejandos, por serem produzidos com o intuito de levar espectadores às salas, apontam ao menor denomidador comum da culura de massas e, por isso mesmo, não primam por uma qualidade que contribua para um enriquecimento de quem assiste.

Há aqui um desiquilibro enorme. Por um lado temos o Cinema dito Comercial, que aponta ao retorno do investimento financeiro, e por outro temos o Cinema apoiado em subsídios, dito de Autor, enquarado no entanto, pelos agentes, por uma Política do Autor demasiado espartilhante, sem grandes preocupações com a relação com público. Falta aqui o Cinema intermédio, capaz de mostrar marcas de autor relevantes, de contar uma estória com pés e cabeça e ainda de levar o público às salas, fruto do apelo que seja capaz de emanar.

Num texto sobre o Ministério da Cultura António-Pedro Vasconcelos reflecte sobre isso mesmo:

Estado continua a chamar a si a decisão sobre os filmes que os portugueses merecem ou não ver nos ecrãs. Essa política criou um parasitismo tenaz, que se alicerçou: 1) num sistema de júris, onde têm assento críticos de cinema e criaturas afins; 2) numa crítica que, depois, naturalmente, defende os filmes que havia apoiado nos júris; 3) numa Escola Superior de Cinema que formata as novas gerações no culto do mestre Manuel de Oliveira; 4) na Cinemateca Portuguesa, onde o Dr. Bénard da Costa se encarrega de abençoar ou excomungar as obras e os ‘autores’ da sua preferência (as mesmas), num ciclo vicioso que perpetua ad nauseam uma ‘ideia’ da 7ª Arte, que assenta na ideia peregrina de que 1) um filme não serve para contar uma história; 2) os ‘autores’ devem ser livres de quaisquer constrangimentos económicos, porque a dependência das receitas é uma ameaça à sua liberdade; 3) o Estado deve, portanto, protegê--los do mercado através de subsídios, porque o dinheiro público é mais puro do que o dinheiro da bilheteira.

Este ciclo vicioso do qual fala o realizador é precisamente o que tem minado o desenvolvimento eficaz da Indústria Cinematográfica nacional. A perpetuação da ideia do apelo ao público como ago impuro e capaz de conspurcar a obra que é, incosncientemente, passado pela política de subsídios a autores com vários anos no meio está a sufocar a capacidade de novos valores surgirem com maior regularidade, com ideias novas, uma noção diferente da relação com o público e, sobretudo, capazes de oferecer maior variedade a esse mesmo público que gosta do Cinema Português, apenas ainda não o sabe.

Sarah Silverman...

2008-02-03T01:47:00.001Z

... tem os seus momentos. Este é um deles.

Não, aquilo não é verdade. A terceira pessoa que é ali referida (não vou revelar para não estragar a surpresa de quem ainda não viu) é casada.

NNNÃÃÃÃÃÃOOOO!!!!!!!!!!

2008-02-03T00:18:00.000Z

“I am engaged ... to Barack Obama”

Ah! Espera...Ele já é casado! Afinal ela apenas disse aquilo para não responder a uma pergunta sobre a própria vida pessoal (sim, confirmem lá no link).

Uff!! Foi por pouco....

Porque quero viver numa cidade melhor

2008-01-28T12:25:00.001Z

Na passada semana foi apresentado o Manifesto dos Amigos da Cultura, passo lógico depois de se esgotarem as vias do diálogo razoável com a Câmara Municipal de Coimbra (não é possível o diálogo quando uma das partes tapa os ouvidos com os indicadores e faz «nnnnnãããããã-nnnnnnããããããã-nnnnnnnãããããã»).

Espera-se que este novo passo seja apenas o início de uma nova forma de protesto contra a política autista da autarquia, no que à relação com os agentes culturais diz respeito. Os 130 subscritores que originalmente assinaram o documento já são mais de 500, o que siginifica uma enorme adesão em menos de uma semana de divulgação, e também o sinal de o descontentamento com a politíca cultural (ou a falta dela) é motivo de preocupação para todos. Rui Bebiano pôe em palavras aquilo que muitos de nós sentem, mas não conseguiram ainda verbalizar : " a «cidade dos estudantes» é principalmente habitada por quadros de formação universitária, bem como por uma classe média e por uma população juvenil bastante numerosas, que possuem expectativas culturais, de uma natureza urbana e crescentemente globalizada, totalmente incompatíveis com a dimensão popularucha e kitsch que neste domínio a gestão camarária tem assumido. Voltada quase exclusivamente para um público semi-rural, adepto de um certo «folclorismo» passadista e minoritário já em termos demográficos, a Câmara de Coimbra nem sequer parece aperceber-se da forma como essa atitude cria um mal-estar que prejudica a sua própria imagem."

Atonement (2007), Joe Wright

2008-01-24T12:33:00.000Z

Na Inglaterra da década de 30 do século passado, Briony Tallis destroi inadvertidamente as vidas da irmã mais velha e do filho da empregada doméstica. Interpreta pelos olhos de uma menina de 13 anos um bilhete que não devia ler e ainda surpreende Robbie e Cecilia na biblioteca da familia.

Joe Wright regressa aos dramas de época depois da adaptação de Orgulho e Preconceito, de Jane Austen, e também com Keira Knightley num dos principais papeís, e pode mesmo dizer-se que estamos na presença de um dos mais promissores realizadores da actualidade. Há todo um cuidado muito vísivel na encenação e visual do filme, este aspecto é muito mais fulgurante na primeira metade, quando somos invadidos por uma explosão de cor, uma palete de cores muito alargada, a acompanhar os momentos mais felizes das duas personagens principais. Robbie e Cecilia formam aqui o par romântico que se concretiza apenas por breves momentos, sendo que a sua felicidade será o elemento que proporcionará a Expiação do pecado cometido por Briony (não vou revelar). A propósito de Briony há que referir as performances das três actrizes que a interpretam ao longo de três gerações: Saiorse Ronan, aos treze anos, impõe à personagem uma impertinência própria da idade mas que irá conduzir às tentativas de redenção das duas encarnações mais velhas. Ramola Garay é Briony com 18 anos, trabalha como enfermeira num Hospital da Londres da época dos bombardeamentos nazis e finalmente Vanessa Redgrave, é Briony já como romancista consagrada, que nos revela o destino do par romântico e consegue finalmente a tal Expiação do título, levando o espectador a reflectir sobre os finais felizes e a sua capacidade de redimir pecados ou manter um sabor acre na boca, conforme a sua veracidade ou não...
Falando novamente sobre aspectos mais técnicos, é inevitável não referir também a fantástica fotografia e reconstrução de época presentes em todo o filme, passando pela inevitável cena na praia de Dunquerque, um maravilhoso plano-sequência que esmaga toda e qualquer hipótese de o espectador ainda sentir que pode haver salvação para a relação entre Robbie e Cecilia. Como definir uma cena que arrisca mostrar uma praia povoada com os sobreviventes Britânicos da Batalha de Dunquerque de uma só vez? Uma viagem em que acompanhamos a destruição proporcionada por uma entrada em guerra mal preparada, mas isso são contas de outro rosário.

Há também que referir a banda sonora inventiva, criando soluções com o som diegético de uma máquina de escrever e misturando-o com piano e violino, o resultado é fabuloso, algo a ouvir mesmo sem a ajuda visual do filme. No entanto, contrariando a tendência facilitista de acompanhar cenas de elevada tensão dramática com musica, aqui Joe Wright prefere deixar o silêncio ser a banda sonora, criando assim um clima de tensão muito mais angustiante.
Um triunfo, apenas com 30 milhões de euros de orçamento, mais uma vitória dos estudios Woking Title que conseguem mesmo convecer-me que Keira Knightley é boa actriz...

P.S.- Quemm costuma ler com mais regularidade (dois ou três de vocês), estava habituado a encontrar uma ficha técnica mais completa no incio do texto. Pois bem,decidi deixar isso de parte porque dá demasiado trabalho para o objectivo que me leva a escrever - apenas o prazer de falar sobre cinema. Portanto, se quiserem mais informações, o link para o IMDB está ali mesmo ao lado...

"Se eu apanhar Herpes no corredor como o Reitor, teremos problemas!"

2008-01-11T01:13:00.000Z

Rowan Atkinson é muito mais do que o já irritante Mr. Bean. É também o clássico Blackadder, o chefe de policia em "The thin blue line" e é ainda este espectáculo ao vivo, cujo dvd está à venda em algumas superficies comerciais da cidade e que brevemente poderá fazer parte da minha Dvdteca...

"You can call me Mr. Shatner"

2008-01-05T20:49:00.000Z

Em 2005 George Lucas recebeu um Lifetime Achievment Award do American Film Institute. William Shatner apareceu e... Cantou! Mas não só: confundiu Star Trek com Star Wars e dançou com Storm Troopers. Impagáveis as caras de espanto de Mark Hamill, Carrie Fisher e Chewbacca. Também impagável a cara de enfado de Mr. Spielberg...

Woody Allen x 2

2008-01-05T19:55:00.001Z

Trailers para o "Sonho de Cassandra" O primeiro é o trailer americano, que nos explica a estória como se fossemos uma criança de 10 anos. O segundo é o trailer internacional, que deixa o espectador a preencher os espaços em branco. Em comum: em qualquer das versões, Woody Allen parece regressar à forma de "Matchpoint"...

Fiquei a dever este trailer em Outubro...

2008-01-05T19:41:00.000Z

"Vamos lá a por um sorriso nessa cara"

2008-01-05T19:10:00.000Z

Top 2007 - os melhores

2008-01-05T16:36:00.000Z

Depois de um ano cinematográfico com algumas surpresas, também com confirmações de antecipações que por aqui fui avançando, estes são os melhores que as peregrinações às Capelinhas Cinematográficas Conimbricenses me proporcionaram neste ano...

Em 5º lugar, ocupando simultaneamente o posto de melhor filme de animação do ano:

"Ratatoille"

Afaste-se o ogre verde e a familia amarela, o prémio é para o Rato Remy, simultaneamente mais um prodígio técnico da Pixar e a prova como o Cinema de Animação pode em tudo seguir as mesmas pisadas da Imagem Real. Quem duvidar basta conferir a fabulosa luz que banha esta cidade de Paris, a cena de perseguição com suspense q.b. e a magnifíca caracterização dos vilões.

O 4º posto.

"Ultimato"

Frenético, sem medo de arriscar grandes sequências sem diálogo. Escorreito e com uma técnica de realização descrita como "câmara com parkinson". Se todos os filmes de Verão fossem assim, estariamos todos muito melhor.

3º lugar

"A Face Oculta de Mr. Brooks"

Por falar em filmes de Verão, este foi um verdadeiro oásis no deserto que é o mês de Agosto. Grandes performances de Kevin Costner e William Hurt, com destaque para o rapport que ambos conseguem manter durante o filme. A subtileza escondida: confronta-nos com as relações pais/filhos e o medo que os progenitores têm de ser substituidos. Destaque ainda para a banda sonora de Ramin Djawadi.

2º lugar

"Terra de Cegos"

O filme já é de 2006, mas só agora nos chegou. Esteve apenas uma semana na cidade, mas foi o suficiente para ser visto por uma pequena legião de fãs (meia dúzia). Estimulante, capaz de deixar o espectador à beira de um ataque de nervos com o ultimo plot-twist, um objecto tão invulgar que deixou os dois lados do espectro politico norte-americano a pensar que o filme os atacava a eles. Está lá tudo: Mussolini, Kim Jong-Il (este ultimo literalmente, está lá), a revolução cultural na China de Mao e os golpes palacianos. Brilhante a forma como neste filme vemos a História Politica da Humanidade do ultimo século e meio. E começa no design do cartaz: Realismo Socialista, anyone?

Em primeiríssimo lugar:

"Peões em Jogo"

O regresso de Robert Reford atrás das câmaras. O regresso de Tom Cruise às boas interpretações. O regresso da United Artists como um estúdio, não como apenas um carimbo. O regresso do filme-político. O regresso... Notável análise da actual situação politico-social nos Estados Unidos. A falta de envolvimento na vida publica das gerações mais jovens, as relações perigosas entre o poder politíco e os media, o sacrifio dos ignorados... Um daqueles filmes capazes de "despertar processos cognitivos nos espectadores", como li há tempos. Em vez de explosões e velocidade temos diálogos, mise-én-scéne... A critica nacional tem-lhe reagido de forma bastante morna, estaremos tão anestesiados por blockbusters que já não reconhecemos o valor de algo diferente?

Estes são os melhores, tendo tempo, outras listas se seguirão nos próximos dias ou semanas.

Regresso

2008-01-05T16:25:00.000Z

Este foi um dos motivos da ausência...

A curta-metragem tem como título "Encontramo-nos onde nos encontramos sempre" ou "EONES 22- O Planeta Proibido" para os fãs de ficção ciêntifica...

Outros: preguiça da minha parte e recusa do blogger em aceitar videos do Youtube.

Mas Porquê?!?!?!?

2007-10-29T23:08:00.000Z

Está na calha um remake de "Os Pássaros". Planeado para estrear em 2009, com Martin Campbell como realizador e com, de acordo com os rumores, Naomi Watts no papel que apresentou Tippi Hedren ao mundo do Cinema.

A actriz descoberta por Hitchcock já veio fazer a questão que se impõe quando nos vemos confrontados com as carradas de remakes, recontextualizações e reimaginações que nos têm invadido nos ultimos tempos: " Não se arranjam novas estórias, novas coisas para fazer? Temos de ser tão inseguros que nos refugiemos num sucesso e fazer tudo de novo outra vez?"

Nunca tinha pensado na questão por esta perspectiva, mas não deixa de fazer sentido. Todo o sentido do Mundo, aliás...

Sempre encarei esta voragem pelo Passado e pelos seus sucessos como uma tentativa de requentar sucessos e continuar a fazer dinheiro com o que já tinha dado resultado apenas pelo lado financeiro. "A quick way to make an easy buck", como diriam os próprios nativos da Indústria Hollywoodesca. No entanto, conhecendo a natureza frágil, e tão dada à busca de aprovação do génio criativo, não deixa de surpreender que numa sociedade cada vez mais infantilizada se procure a gratificação rápida, sem qualquer risco ou perigo de falhar para alcançar o sucesso e reconhecimento.

Arrojo e capacidade inventiva é o que se espera dos Cineastas. Originalidade e valor acrescentado à experiência de nos deslocarmos e sentarmos numa sala de Cinema. Acrescente-se a toda esta linha de argumentação (iniciada por uma improvável ex-modelo) que, normalmente, os remakes ficam sempre muito aquém dos filmes que pretende "recontextualizar" para "um publico mais jovem".

Felizmente ainda nínguem se lembrou de refazer o Citizen Kane. Ou o Jules et Jim. Nem tocaram ainda no Kubrick...

Infelizmente não se pode dizer o mesmo de Casablanca, Janela Indiscreta, Psico...

Jake Kasdan + Judd Appatow

2007-10-27T18:33:00.000+01:00

Resulta em Walk Hard: The Dewey Cox Story. O primeiro senta-se na cadeira de realizador, ambos escrevem o argumento e produzem o filme.

Com John C. Reilly no principal papel, conta a estória de um ficcionado cantor blues dos Estados Unidos, com amizades desde os Beatles até um Elvis estranhamente parecido com Jack White...

Depois do mockumentary, popularizado e levado ao extremo da loucura por "This is Spinal Tap", podemos estar a assistir ao nascimento de um novo género cinematográfico que, para já, vou baptizar de "BioFake" (fica no ouvido, não?). Depois de já termos levado com o infeliz "Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby", agora chega mais um biopic ficcionado. As expectativas são elevadas, dado o envolvimento de Jake Kasdan e Judd Appatow (ambos trabalharam em "Freaks and Geeks" e em "Undeclared"), mas vamos esperar pelo resultado final, e a estreia a 21 de Dezembro para lançar os foguetes. Para já, o trailer:

São evidentes as paródias aos biopics de Johnny Cash, Ray Charles, Bobby Darin, Elvis (?)...

O link aqui, já que o YouTube não me deixa fazer copy/paste do código embeded, sem alterar profundamente o HTML, e como eu não percebo nada daquilo...

Mais uma vez, a maltinha do Cinecartaz não tem vontade de trabalhar

2007-10-25T00:15:00.000+01:00

Era este o panorama às 00:14 de quinta-feira, 25 de Outubro. Posso apenas especular que os jornalistas responsáveis pela actualização desta página sejam também estudantes na Universidade de Coimbra e tenham jantar de curso e uma delocação à Serenata Monumental... De certeza que amanhã já estará qualquer neste espaço por agora desocupado.

GENIAL!

2007-10-23T23:44:00.000+01:00

James Lipton é uma das pessoas mais respeitadas do mundo da representação cinematográfica nos Estados Unidos.

É o reitor do Actor's Studio, talvez a mais respeitada escola de actores.

Durante 13 anos tem sido o apresentador do Inside the Actor's Studio, onde entrevista os mais consagradas actores de sempre (Al Pacino e Dustin Hoffman já passaram por lá, assim como Hugh Laurie e Robin Williams)

James Lipton viveu em Paris durante a juventude... E foi Chulo. A sério. Proxeneta. E resoveu escrever isso nas suas memórias, que saírão em breve.

Para que não fiquem dúvidas, deixo o texto em inglês: "I had to accompany my clientelle to the Rue Pigalle, which is where these things occurred. And then I'd take them up to the room and I had to remain there because they were very nervous, they were young Americans for the most part... and they didn't speak French"

E já agora, o link de onde tirei isto.

Já que nenhum deles veio para Coimbra...

2007-10-06T13:32:00.000+01:00

Aqui ficam os trailers falsos do projecto Grindhouse dos Sr.s Tarantino e Rodriguez. Dizem os rumores que o "Machete" vai mesmo ser produzido (acho que já foi e tinha o Mark Whalberg e o Danny Glover, mas isso são outras estórias).

Off-Topic

2007-10-05T14:17:00.000+01:00

São boas notícias. Mas confesso que não sei como é que vai acontecer...

Post celebratório e onanista

2007-09-25T22:52:00.000+01:00

Este já não é propriamente o post número 100, mas serve para o comemorar. E que melhor forma de o fazer que com... Mais Daily Show?

Buck Henry é o co-criador (com Mel Brooks) de uma das melhores sitcom de culto: Get Smart, que em Portugal recebeu o assassino título de Olho Vivo. Recentemente apareceu no Daily Show com o objectivo de dar alguma visão alargada sobre os acontecimentos que vão afectando o mundo da política norte-americana. Aqui está ele, na sua segunda partiicipação como "Perspectivista Histórico" a falar sobre as prim+arias presidenciais nos estados de Iowa e New Hampshire.

"I am no longer Jason Bourne"

2007-09-25T20:22:00.000+01:00

THE BOURNE ULTIMATUM
De: Paul Greengrass
Com: Matt Damon, David Strathairn, Joan Allen, Julia Stiles
EUA, Cor, 2007, 111 min.

Jason Bourne continua vivo, mesmo depois da frenética perseguição automóvel que quase o matou no final do segundo filme, e agora vai finalmente regressar ao seu país natal para descobrir quem era antes de perder a memória.

Há cerca de dois meses vi uma entrevista a Matt Damon em que lhe elogiavam o facto de esta terceira parte da trilogia Bourne não desiludir. Damon respondeu “We're just happy it doesn't suck!”. A resposta bem-humorada do actor é talvez sintomática da qualidade que sentiu que o filme viria a ter, ainda durante as filmagens do mesmo. E se, de facto, pressagiou um sucesso comercial e de crítica, não errou em nada. “Ultimato” prometia muito na sua campanha publicitária e trailers e não desilude. Tudo o que estava nos dois capítulos anteriores mantém-se mas, ao contrário do que seria de esperar numa sequela, a frescura ainda lá está e a surpresa ainda é possível. Nomeadamente numa longa perseguição nas ruas apertadas de Tânger, onde toda a técnica do realizador Paul Greengrass é aplicada de forma magistral no que se torna a peça central do filme e deixa o espectador sem fôlego e, simultaneamente, a pedir mais. Acompanhada por uma banda sonora dinâmica que apenas ajuda ao tom frenético e visceral da luta que termina esta sequência, que como nenhuma outra até hoje, iguala a perseguição automóvel de John Frankenheimer em “Ronin”.

O crítico Richard Corliss, da Time, referiu-se aos movimentos de câmara aparentemente erráticos de Greengrass como “Parkinson”, mas é esta característca que confere tanto realismo a um filme que poderia muito facilmente deambular para o mundo das proezas com duplos e câmara fixa a observar a acção ao longe. A sensação de movimento transmitida ao espectador não é apenas um ponto forte neste filme, é O ponto forte.
À terceira vez, Matt Damon mantém o registo que já tinha encontrado nas outras aventuras de Jason Bourne, mas agora acompanhado por um David Strathairn em grande forma, personificando aqui as loucuras securitárias desproporcionadas para com os mais comuns cidadãos no mundo actual. Já no filme anterior a personagem de Joan Allen se revelava como a possível ligação e ajuda de Bourne na sua busca das memórias perdidas; neste ultimo capítulo ela será essencial enquanto se antecipa às jogadas de poder dentro da CIA e dá a Jason as armas necessárias para descobrir a verdade. Verdade, que no final de contas, não era bem aquilo que ele esperava, mas não vou revelar mais.

Eléctrico, mas capaz de prender o espectador ao ecrã com personagens reais, esta é a terceira parte que redime os tiros ao lado que povoaram o resto do Verão.

Ainda sobre Superbad

2007-09-25T20:20:00.000+01:00

Aqui fica o genérico inicial, que tanto louvei alguns posts atrás. Gravado numa posição lateral e com muita tremideira, mas acho que dá para perceber o que quis dizer atrás.

"I AM McLOVIN!"

2007-09-25T19:59:00.000+01:00

SUPERBAD
De: Gregg Mottola
Com: Jonah Hill, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse, Seth Rogen.
EUA; 2007; Cor; 113 min.

Seth e Evan são amigos de longa data que agora enfrentam os ultimos dias do secundário já com a certeza de partirem para universidades diferentes. Fogell é também seu amigo e o único mais “geek” que eles os dois. Todos os três estão agora empenhados em arranjar alcóol para uma ultima festa e, deste modo, conseguirem impressionar as raparigas com as quais não conseguem comunicar de forma normal.

Lembram-se do secundário? De como tudo era estranho e como os rapazes falavam com os membros da sua “tribo” e as raparigas faziam o mesmo? O problema não era querer falar com elas, o problema era saber o que dizer, impressionar.
Seth Rogen e Evan Goldberg escreveram a base para este argumento quando tinham treze anos e o facto nota-se. Sim, o humor é muitas vezes infantil, mas o facto é que é essa a intenção deste filme: piadas quase escatológicas, sem nunca atingir os níveis de alarvidade de outros do género teen comedy. De facto, há aqui bastantes exemplos de piadas que podem revoltar muito boa gente de gosto mais elevado, mas o objectivo de entretenimento de massas é bem sucedido, com qualidade assinalável, até pela composição das personagens: três pobres desgraçados, ignorados por toda a “malta fixe” da escola o que lhes atribui uma qualidade de pessoas reais em situações de comédia, uma marca muito presente nos projectos do Judd Apatow.
Pessoas reais que não deixam de ter, no entanto, a sua faceta de exagero. Fogell/McLovin é uma personagem que só se poderia ver num filme mas, no entanto, é impossível não deixar de sentir uma certa compaixão, ou até mesmo ligação com o atrapalhamento genuíno e desconforto ao lidar com outras pessoas. Destaque, então, para o estreante Christopher Mintz-Plasse.

Mas voltemos ao inicio. O inicio do filme, para ser mais preciso. O genérico inicial estabelece logo nos primeiros 60 segundos o que será o tom do filme: diversão. Sem dúvida ajudado pela música Funk dos Bar-Kays e o tema “Too hot to stop”, este primeiro contacto do espectador é mais do satisfatório ao apresentar-lhe o que pretende ser afinal este Superbad.
Infelizmente as ultimas comédias que nos têm chegado dos EUA afinam pelo mesmo diapasão moralista (Evan, Licença Para Casar), algo que este filme consegue esconder muito bem. O moralismo pode até lá estar (a necessidade de crescer e aceitar as mudanças), mas é bem escondido numa cena final com muito significado e propensa a interpretações demoradas sobre as relações entre sexo masculino e feminino.

Rodado e estreado depois de “Knocked Up” (outro projecto da dupla Apatow/Rogen), Superbad chegou ao nosso país antes do primeiro, servindo assim como uma espécie de aperitivo para primeiro. Honesto, sem quaisquer intenções para lá da comédia bem-humorada, é um filme a rever, e a comprar assim que surgir edição em dvd.

As coisas que se descobrem por aqui...

2007-09-22T23:51:00.000+01:00

Este senhor chama-se Issur Danielovitch Demsky e é filho de judeus russos que migraram para os Estados Unidos no início do século XX.

Já a graça deste outro senhor é Ramón Gerardo Antonio Estévez e é filho de um metalúrgico galego e uma irlandesa com ligações familiares ao IRA.

Dão-se alvíssaras a quem descobrir debaixo de que pedra saíram Meg Ryan, Sean William Scott, Jason Biggs, Sally Field...

O Fim (1999-2007)

2007-09-22T23:06:00.000+01:00

A Premiere portuguesa vai ser descontinuada. A noticia já tem uma semana, mas tenho algumas considerações a fazer e este é o momento certo para as escrever.

Parte da grande família de Premieres internacionais, o que era a versão portuguesa desta revista de cinema?

Quando há oito anos atrás a revista apareceu, corri a comprá-la e mantive-me leitor assíduo durante muito tempo no entanto, à medida que o meu conhecimento sobre Cinema e comecei a consultar de forma mais regular sites internacionais de outras publicações de qualidade (Empire, Total Film, Rolling Stone), senti a nossa pequena Premiere a ser cada vez mais pequena. As noticías publicadas tinham já quase um mês de existência, os erros factuais eram inadmissívelmente muitos e as críticas tinham o típico toque português ("tomem lá a minha erudição enorme, não quero saber se vocês percebem do que estou a pensar ou não"). Deixei de a comprar no ano passado. Lembro-me que o momento decisivo para o divórcio foi mesmo uma edição no Verão passado, em que a capa era mais um destaque a uma entrevista traduzida de uma das versões internacionais, já não consigo precisar qual, e pensei: mas nós também temos uma pequena indústria cinematográfica, porque será que não pode ser ela alvo de destaques numa revista de Cinema publicada para os leitores portugueses? Decidi não a comprar mais a partir desse momento e ler noticías e críticas a partir da internet.

Agora temos a notícia de que não mais verei nos escaparates a "nossa" Premiere (devidamente traduzida da versão americana) e não posso deixar de sentir uma certa nostalgia. Não, não era grande coisa, mas sempre era ALGUMA coisa, é este o sentimento de toda a gente com quem tenho partilhado esta conversa.

E ficámos a saber pormenores da vida da revista: uma redacção com apenas três repórteres, impressão feita em Espanha para ser mais cost-effective aos cofres da empresa.

É o fim de uma revista com as suas (muitas) imperfeições, mas que era a única da especialidade publicada no nosso país e que servia como bom ponto de partida para qualquer pessoa interessada em Cinema. A devida vénia aos bons momentos e o desejo de de uma boa Eternidade nesse local para onde vão as coisas publicadas que já não fazem parte do nosso quotidiano. Outubro verá a sua ultima edição.

P.S. Acabo de visitar o site da Premiere portuguesa e confirma-se o que José Vieira Mendes tinha já dita a versão on-line do Sol: o site também acaba, ao contrário do que aconteceu nos Estados Unidos, e temos já o lacónico comunicado do Media Group responsável pela gestão do título em Portugal.

Apetece-me escrever sobre uma coisa estupida

2007-09-22T12:31:00.000+01:00

Deve ser um dos sinais da vinda do Anti-Cristo. A seguir a isto chegarão os Quatro Cavaleiros.

Está pronto a ser lançado o 6º capítulo da saga American Pie. Com o título original "American Pie Presents: Beta House", é para mim uma total surpresa, pois nem sabia da existência de uma quinta parte... É claro que a pergunta que se impõe é: MAS PORQUÊÊÊÊ?!?!?!?!? Os outros todos já não eram suficientemente maus? O facto de a terceira parte ser a ultima a ter estreia em sala de cinema não é suficiente para matar o monstro?

E Eugene Levy, porque é que ainda aí continuas? Tu tens a tua dignidade de bom actor de comédia, porque te arrastas em maus projectos como um Martin Lawrence ou um qualquer irmão Wayans? Precisarás assim tanto do dinheiro? As dívidas de jogo devem ser gigantescas...

E a boa notícia do final do Verão é...

2007-09-15T01:03:00.000+01:00

Jon Stewart vai voltar a apresentar os Óscares! Depois do espectáculo pouco compreendido (pelos espectadores e imprensa norte-americana) que foi a performance de 2006, Stewart j+a se afirmou muito contente por ter esta segunda oportunidade até porque: "como se costuma dizer, à terceira é de vez!" - Sim, ele disse mesmo isto.

Para provar como ele é Grande, aqui fica o video da famosa aparição de 2004 no programa da CNN, Crossfire. Algumas semanas depois, o programa seria cancelado... Sim, porque o director do canal concordou com a intervenção de Jon Stewart.

E o link para uma reportagem da Rolling Stone, em conjunto com Stephen Colbert, já de Outubro do ano passado.

2007-08-28T17:56:00.000+01:00

“Mr Brooks”
De: Bruce A. Evans
Com: Kevin Costner, William Hurt, Demi Moore, Dane Cook
EUA, 2007, 120min, Cor.

Earl Brooks acaba de ser eleito Homem do Ano pela Câmara de Comércio da cidade onde vive. No entanto, nem tudo está bem na sua vida. Sem o conhecimento da sua mulher, Mr. Brooks é um serial killer, fora do activo há cerca de dois anos, mas não deixa de o ser. Mr. Brooks mata pessoas pelo puro prazer, levado a isso pelo seu alter-ego, ao qual dá o nome de Marshall.

É dificil ver um filme novo com o Kevin Costner. Nunca se sabe muito bem o que vai sair da tela: se um “Danças com Lobos” ou um “Carteiro” e, talvez por isso, este filme tem tido uma recepção tão mista por parte do público e dos críticos especializados. Com um argumento muito sumarento, cheio de pormenores que podem escapar à primeira vista e com Demi Moore também no elenco, este filme tem os elementos mais do que necessários para falhar mas, no entanto, não falha! É verdade que a primeira aparição de William Hurt no ecrã poderia ter sido retardada mas acaba por fazer sentido que surja nos primeiros cinco minutos de filme quando nos apercebemos que faz parte de uma estória já com um passado, que não começa no momento em que o projector se liga, mas a que apenas somos convidados a assistir uma parte (Costner já falou numa trilogia). O que à partida parece um erro: apressar a apresentação ao publico de uma das personagens fulcrais para o filme acaba por se revelar um acto normal na existência tortuosa de Mr. Brooks, assombrado sempre pelo desejo secreto de matar e sentir a emoção, o prazer que lhe advém desse poder sobre as vidas de outros. Apesar de parecer fugir um pouco ao ponto forte que é a comunicação entre Mr Brooks e Marshall, é inevitável não notar o grande rapport entre Kevin Costner e William Hurt, que chegam mesmo a proporcionar alguns dos melhores momentos do filme. Este relacionamento leva-nos para o campo do thriller psicológico, o que normalmente indica que não haverá grande espaço para personagens secundárias.

Não gosto da Demi Moore. Acho-a uma má actriz que só teve grande sucesso comercial sem nunca atingir a condição de Actriz. Deixo considerações sobre o sucesso dela para outras pessoas. Neste filme ela interpreta a detective que persegue Earl Brooks. Tal como muitos pormenores nesta película, a sua primeira aparição parece descontextualizada (afinal, o que é que nos interessa saber quem investiga este caso, e ainda por cima, o divórcio dela), mas nem tudo o que parece é. O processo de divórcio da detective Tracy Atwood irá desempenhar uma grande papel no desenlace deste filme e Demi Moore consegue defender-se razoavelmente.
É complicado escrever sobre este filme devido à sua enorme complexidade de estórias e pormenores que terão uma influência vital no desenrolar da trama. Penso ser este o maior elogio que se pode fazer a “Mr Brooks”: o facto de estimular o espectador, não lhe dar descanso e chegar mesmo a apresentar personagens extremamente secundárias vindas do nada que tinham apenas sido referidas em conversas passageiras.

Mr Brooks não é o serial killer habitual que a cinematografia norte-americana nos apresenta. Não tem nenhuma capacidade extraordinária, nenhum poder sobrenatural e, à primeira vista, a patologia que apresenta não é causada por nenhum trauma de infância. É um tipo normal, que planeia minuciosamente os seus crimes com acesso à internet e que, “simplesmente”, gosta de matar. Aliás, é este um dos grandes temas deste filme: a nossa relação com os nossos vícios, como os tentamos controlar e a forma como nos podem destruir se não tivermos cuidado. O outro tema que podemos apanhar no sub-texto deste filme é bastante mais evidente: a relação entre Pais e Filhos. A forma como Mr Brooks receia que a filha também seja agora uma homicida e o medo profundo que sente que ela o tente matar para herdar mais rapidamente o negócio da família e a comparação com o relacionamento da detective Atwood com o seu próprio pai é uma das situações mais marcantes do filme.

Como já escrevi em cima, é muito díficil saber o que esperar de um filme com Kevin Costner. Um actor que conta com tantos flops como sucessos no currículo torna-se muito díficil de seguir e ainda mais de avaliar. Costner parece ter a sua carreira sempre à espera do falhanço que o vai colocar definitivamente no “Lado Escuro da Força”, no entanto não é este “Mr Brooks” onde até consegue uma performance digna de aplauso, mantendo sempre um registo de contenção na interpretação de um serial killer com problemas de consciência e medo de que a familia venha a descobrir aquilo que faz nos tempos livres.
Ainda uma palavra para a banda sonora de Ramin Djawadi, que contribui em muito para o ambiente sombrio que se vive durante todo o filme e que merece ser escutada sem auxiliares visuais.

Divertido nos momentos certos, sem medo de tratar o espectador como uma criatura inteligente que não está na sala de cinema de cinema apenas para comer pipocas, “Mr Brooks” surpreende até pelo facto de o realizador responsável ter apenas no currículo uma comédia infeliz do início dos anos 90. Estimulante e sem medo de andar na fina linha entre o thriller e o rídiculo, um filme a rever quando possível.

Um oásis no deserto

2007-08-22T16:11:00.000+01:00

“Ratatouille”
Real: Brad Bird
Vozes: Patton Oswalt, Lou Romano, Janeane Garofalo, Ian Holm, Peter O'Toole
Animação, EUA, 2007, 110 min.

Remy tem um dom invulgar: consegue um olfacto apuradíssimo que lhe permite sempre escolher os melhores ingredientes para cada prato a cozinhar. Só há um senão: Remy é um rato. Perdido do seu clã e acabado de chegar às paredes do mais famoso restaurante de Paris, vai perseguir o seu sonho: tornar-se num dos maiores Chef de França.

Tornou-se lugar comum dizer que qualquer filme que saia da Pixar é um clássico instantâneo, um filme magnifíco, digno de figurar no Panteão dos Maiores de Todos os Tempos. Não sendo tão exagerado, a verdade é que o estúdio do candeeiro tem mantido um nível de qualidade impressionante durante os cerca de dez anos de trabalho que levam. Uma reputação que levou um pequeno safanão com o menos bom “Cars”, do ano passado. Não que fosse mau, mas fiquei com a impressão que passou um pouco ao lado do público.
Regresso anunciado neste ano com Ratatouille, com a recuperação do realizador Brad Bird, responsável pelo fantástico “The Incredibles”. Brad Bird tem um passado noutro nome grande da animação para adultos (sem conotações pornográficas). Foi consultor durante cerca de dez anos nos Simpsons e ajudou mesmo no desenvolvimento da série para o formato de meia hora que conhecemos agora.
Não vou descrever o prodígio técnico da animação, torna-se já redundante falar de como as personagens se mexem ou como todos os elementos parecem verdadeiros num filme da Pixar. Vou atrever-me a ir um passo mais à frente e não falar em imagens geradas por computador, mas referir a qualidade da fotografia nas cenas de exteriores, a excelente interpretação do boneco de Peter O'Toole, aqui a encarnar um crítico culinário com todos os tiques e expressões que imaginamos num crítico implacável (de qualquer área). Pode mesmo ser encarado, em conjunto com o Chef Skinner, como a vizualização perfeita do que é o vilão no Cinema. O crítico Anton Ego com o seu aspecto esguio e rodeado por uma coloração cromática mais negra e Skinner apresentando uma deficiência física, ainda que subtil: é o mais baixo de todas as personagens, envergando ambos olheiras bastante profundas. As restantes personagens são criadas de tal forma que é inevitável não sentir de imediato uma forte ligação com elas. (A isto chama-se carisma, algo que faltava no filme de que falei mais abaixo.)

Durante muito tempo foi um problema para a Pixar o aspecto das suas personagens humanas, desde o aspecto a cair para o realista de “Toy Story”. Este é um problema que parece estar mais do que ultrapassado com a afirmação do look mais cartoonesco das suas personagens, o que chega até a permitir a Linguini alguns dos momentos mais hilariantes do humor slapstick dos ultimos anos cinematográficos.

Falta referir o mais importante: o argumento, a estória, a forma como a trama é apresentada ao espectador e como este reage perante desenvolvimentos apresentados no ecrã. Também aqui Ratatouille se revela um sucesso. A estória segue o seu próprio ritmo, sem nunca se apressar para atingir determinado objectivo ou evoluir para o próximo patamar. Até a estória de amor parece surgir de forma natural, sem ser apressada ou colocada à pressão apenas para encher mais um pouco de tempo.
Sim, é um filme de animação, mas nem por isso deixa de mostrar todos os aspectos necessários para ser categorizado na estante do Cinema, com maíuscula, apresentando mesmo alguns dos planos e movimentos de câmara que já vi este Verão.

P.S. Assim que estrear um certo filme com uma certa abelha logo se verá qual dos dois é que leva para casa o troféu com o coração do público.

Mais um... E a paciência a diminuir...

2007-08-21T01:05:00.000+01:00

“A Ultima Legião”
Real: Doug Lefler
Com: Colin Firth, Ben Kingsley, Aishwarya Rai, Thomas Sangster
EUA, Reino Unido, França, Cor, 110 min.

460 D.C., o Império Romano é finalmente invadido pelos Bárbaros do Norte e o ultimo Imperador, o jovem de doze anos Rómulo Augusto capturado e enviado para a prisão de Capri. Aí, descobre uma espada à muito tempo perdida e, com os seus ultimos seguidores, foge para a Britânia, território onde se julga estar a ultima legião romana que não caiu sobre o domínio dos invasores da Cidade Eterna.
Há uma coisa que me irrita mais que um filme mau: um filme mau que poderia ter sido bom. É o caso. À partida, sabendo que o argumento tinha sido baseado na obra de um professor de arqueologia clássica, as expectativas já eram bastante boas: “ena, o tipo que escreveu o livro em que se baseia o filme percebe do assunto! E é italiano!”. Sim, é verdade. Chama-se Valerio Massimo Manfredi e a obra em causa tem o mesmo nome do filme. Mais expectativas: o Colin Firth até é bom actor. E, caramba, tem o Ben Kingsley! Depois o balde de àgua fria quando pesquiso o nome do realizador para dar um bocadinho mais de sumo no programa de rádio... Tem experiência em televisão... Em séries como “Xena- Princesa Guerreira” e “Hércules”... A única longa-metragem que realizou saiu directa para vídeo e era uma sequela do “Coração de Dragão”... E sim, a experiência televisiva faz-se notar e de que maneira! Até o estilo de comédia da séries que referi em cima pode ser encontrado de uma forma mais subtil.

Isto era o que sabia antes de ver o próprio filme e decidi mesmo dirigir-me à sala, convencido com o aspecto aceitável do trailer.

A primeira coisa a saltar à vista é a banda-sonora. Não, não me enganei, a banda sonora deste filme chega a ser irritante dada a aparente necessidade sentida pelo realizador de pontuar 90% das cenas com música. Não devo errar em muito a percentagem e chega a ser angustiante ter de aguentar tanta musica quando a ausência da trilha sonora podia servir muito melhor para acentuar e aumentar a intensidade dramática de várias cenas. Colin Firth e Ben Kingsley não são nomes habituais em épicos ou no cinema peplum e têm performances distintas. (apesar de já não estarmos no espectro temporal da Antiguidade Clássica, tudo o que tenha Romanos é normalmente classificado como Peplum: reclamações para o mail do costume). Firth aproveita as poucas linhas de diálogo com que todas as personagens são brindadas para agarrar bem o papel de Comandante em busca do fim das mortes mas disposto a uma ultima batalha para cumprir o juramento sagrado. Já Kingsley... é Kingsley! Admitamos: Ben Kingsley não tem grande carisma. É um óptimo actor, mas não consegue que os espectadores gostem dele apenas porque sim. Recordo para este efeito “House of sand and fog” e a performance fantástica que obriga o espectador a sentir a dor daquela personagem, mas o magnetismo que leva o publico a querer o sucesso daquela personagem não é o forte dele. Neste filme, para piorar o cenário, o argumento não o ajuda em nada e a sua personagem tem o carisma de um carapau congelado. Portanto, alguns bons actores e outros que deixam algo a desejar, com o destaque a cair direitinho para os Godos que tomam a capital do Império.

Referi no início o autor do livro e a credibilidade que lhe é conferida pelo seu estatuto profissional. Pois bem, este material é muito raramente aproveitado para o Cinema, a queda do Império Romano, e tem potencial pois é uma boa oportunidade para dar ao público o final da grandiosidade transmitida em outros filmes do género. Um pouco o final da festa que se viu em clássicos como “Ben-Hur”, “Spartacus” ou mesmo o mais recente “Gladiador”. Não duvido do potencial que poderá estar incluído no livro, até porque de acordo com os créditos finais, este filme é baseado apenas em “parte da obra”, no entanto não é díficil notar uma certa espiral de qualidade descendente até ao final do filme, com os diálogos a tornarem-se ainda piores do que já eram e com a grande batalha final a ter um final absolutamente ridículo...

O Lado Negro da Força

2007-08-16T02:55:00.000+01:00

E o pior filme de todos os tempos é...

É sempre complicado elaborar uma lista dos piores ou melhores, e normalmente abstenho-me dessas considerações (até por não as achar lá muito uteís), mas desta vez, não posso deixar de assinalar o facto de alguém se ter dado ao trabalho de vasculhar no imenso esgoto da indústria cinematográfica e retirar alguns dos maiores destroços flutuantes que normalmente só se encontram em... Acho que já fui suficientemente desagradável. A lista completa a partir daqui.

Gondry de volta

2007-08-15T20:25:00.000+01:00

Chama-se "Be Kind, Rewind" e é próximo flme do francês Michel Gondry. Com Mos Def e Jack Black nos principais papeís, conta a estória de um empregado de um videoclube (Def) que vê as cassetes inadvertidamente magnetizadas pelo seu melhor amigo (Black) e, desta forma, inutilizadas. Para salvar o emprego decidem então filmar novas versões de clássicos como "Robocop", "Driving Miss Daisy" e "Ghostbusters". Com um aspecto muito parecido com a saudosa sitcom "Paraíso Filmes", tem data de estreia nos Estados Unidos marcada para dia 21 de Dezembro. O trailer está aqui.

Células estaminais e prostitutas holandesas

2007-08-14T19:52:00.000+01:00

Prova do "savoir-faire" de timing cómico do Steve Carell é este excerto da extinta rubrica "Even Stevphen" num Daily Show que deverá ser de 2003 ou 2004. Nesta rubrica tanto Steve Carell como Stephen Colbert entravam em acesas discussões sobre um tópico, normalmente com opiniões diametralmente opostas (como convém nestas situações). Hoje em dia Carell é a estrela da versão americana de The Office, na NBC, enquanto que Colbert continua na Comedy Central, mas no seu próprio programa, um spin-off do Daily Show: The Colbert Report.

Meninas...

2007-08-12T03:13:00.000+01:00

O Peter Travers dá-lhe quatro estrelas...

Post de ódio semanal

2007-08-11T16:57:00.001+01:00

Que os MTV Movie Awards são rídiculos já todos sabíamos, com categorias tão credíveis como: Melhor Beijo, Melhor Vilão ou Melhor Cena de Luta. Mas esta, confesso, ainda não conhecia: "Best Summer Movie You Haven't Seen Yet". O vencedor foi "Transformers" e a lista de nomeados é ainda mais patética...

2007-08-11T16:44:00.000+01:00

“Evan Almighty”
De: Tom Shadyac
Com: Steve Carrell, Lauren Graham, Morgan Freeman
EUA, 2007, Cor, 95min

Evan Baxter acaba de se despedir da televisão onde trabalhava para se transformar no Congressista Evan Baxter. No entanto, o seu slogan de campanha “Vamos mudar o mundo” atraiu a atenção de Deus que o vai incumbir de repetir a tarefa de Noé.

Gosto de Steve Carrell. É um excelente actor de comédia, com um timing de entrega muito bom e com um passado de aprendizagem no Daily Show. Posto isto, não há muito mais de positivo a dizer deste filme. Altamente antecipado, devido ao seu elevado orçamento (175 milhões de dólares) que o transformaram na comédia mais cara de sempre, e também porque Carrell é O comediante do momento nos Estados Unidos. Certamente que conseguirá uma boa performance nas bilheteiras, mas não ficará na memória de muita gente e o próprio Carrell o deverá lembrar como não mais do que “o-filme-que-me-pagou-a-casa-de-férias”.
Mas falemos então do próprio filme e das impressões que me causou. Apesar de ter alguns bons pormenores humorísticos, alguns até de referência ao próprio actor principal (o cameo de Jon Stewart; um filme em exibição numa sala de cinema), na generalidade a comédia reduz-se ao humor físico mais básico: Evan tropeça num pedaço de madeira; Evan horroriza os mais próximos com a sua barba enorme; Evan acerta no dedo quando tenta martelar um prego. O tom que percorre todo o filme é o de uma tentativa de evangelização da plateia, por vezes disfarçada transformando o filme numa comédia desonestamente moralista, outra vezes não escondendo a sua tentativa de apelar ao público do “Bible-Belt” norte-americano.

Tom Shadyac não desilude mas também não deslumbra, uma realização competente q.b.. No entanto, e contrariando a tendência normal para a perfeição visual das grandes produções americanas, não é difícil de notar o aspecto sujo da fotografia, mais facilmente visível quando a acção pede rápidos movimentos de câmara. Outro aspecto visual que os diversos trailers anunciavam de forma menos airosa são os efeitos visuais. Com um orçamento a roçar as duas centenas de milhões de dólares, seria de esperar um maior cuidado visual com o aspecto final do filme. Tal não se verificou e são facilmente identificáveis quais as figuras adicionadas em pós-produção e quais as que estavam mesmo no plateau.

Como já escrevi, é nos pequenos pormenores que o filme revela a sua veia mais humorística mas, agora olhando para o plano mais geral, a nível do argumento, custa ver como a comédia que podia transformar este num bom filme, é constantemente subjugada pela tentativa de passar uma mensagem. Mensagem essa (o mundo pode ser mudado com um acto de bondade de cada vez), que parece direccionada a um público demasiado específico, e sempre apresentada como se a audiência fosse composta por alunos do ensino primário. A pretensão de tocar e modificar a alma do público acaba por prejudicar a comédia que, mantendo-se honesta e não tendo medo de ser comédia teria muito mais a ganhar.

A destacar ainda a performance de Lauren Graham, que depois do papel em “Bad Santa” (2003, Terry Zwigoff) parece, infelizmente, destinada a alternar uma carreira televisiva com papeís secundários em filmes menores. Uma ultima palavra ainda para Steve Carrell: esperamos melhor de “Get Smart”, a estrear no próximo ano.

Leões e Cordeiros

2007-08-05T15:40:00.000+01:00

À algumas semanas atrás falei do próximo projecto do Sr. Redford. Tenho agora mais pormenores e um poster:

É a primeira produção da United Artists desde que Tom Cruise e Paula Wagner tomaram conta do estúdio e teve um orçamento de 35 milhões de dólares ( uma pechincha nos States, um sonho erótico para a indústria portuguesa).